초등학교 1학년 아이들의 좌충우돌 학교 적응기를 기록하는 EBS 1TV ‘두근두근 학교에 가면’(24일 오후 7시)은 부모들이 궁금해했지만 볼 수 없었던 ‘입학 후 첫 수업 현장’을 중계한다. 갓 초등학교에 입학한 아이들에게는 40분의 수업 시간 동안 책상에 가만히 앉아 있는 것조차 어렵기만 하다. “쉬는 시간은 쉬하는 시간이에요?”라는 당황스러운 질문들이 쏟아지기도 한다. ‘쉬는 시간’조차 배워야 하는 아이들 앞엔 ‘앞으로나란히’, ‘앉아번호’, ‘반 번호 외우기’ 등 많은 도전이 기다리고 있다. 1교시 ‘학교 둘러보기’ 시간에는 선생님을 따라 줄지어 선 아이들이 설레는 마음으로 교실을 나선다. 학교 구경을 나가기 전, 키가 작은 아이부터 차례대로 줄을 서는 동안에 아이들은 손으로 자신의 머리와 새로 만난 친구의 머리를 짚어 가며 키를 확인하기도 하고 난생처음 하는 앉아번호에 당황하기도 한다. 그렇게 아이들은 새로운 규칙들을 하나하나 배워 간다. 종종걸음으로 학교 구경을 마친 아이들은 2교시에 시간표 이해하기 수업을 한다. 3교시에는 자신의 반과 번호 쓰기에 도전한다. 자신의 번호를 잊어버려서 교실은 또 한번 아수라장이 된다. 선생님께 되물어 가며 한 글자, 한 글자씩 연필로 꾹꾹 눌러 적는다. 4교시에는 운동장 놀이기구 이용하기 수업을 위해 밖으로 나간다. 아이들은 천진난만하게 친구의 승부욕을 불러일으키기도 하고, 반 전체가 한마음으로 친구를 응원하기도 한다. 길고도 길었던 하루 수업이 모두 끝나고 종례를 하자마자 또다시 질문이 쏟아진다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

경기도 시흥에는 한 집에 두 명의 베트남 며느리를 데리고 사는 심순옥(오른쪽·64)씨와 자매끼리 한국으로 시집 와 시어머니에게 기대고 사는 며느리들이 살고 있다. 큰며느리 팜티짱(왼쪽·29)은 “시부모님이랑 같이 사는 게 좋다”고 하지만 사실 시어머니 없이 생활하는 게 겁이 난다. 혼자서 할 수 있는 것이 제한적인 탓에 나와서 살면 생활 전반이 지금보다 힘들어질 것 같다. 시어머니는 집이 넓지도 않은데 열 식구가 함께 살려니 복잡해도 너무 복잡하다고 한다. 분가해서 살라는 말을 몇 번이고 하지만 돌아오는 대답은 늘 똑같다. 집안일과 뛰어다니는 네 명의 손주 육아까지 하느라 힘이 부친다. 팜티짱은 시집 온 동생과 베트남어로 대화하다 보니 한국어가 늘지 않는다. 시어머니는 한국어 공부를 조금이라도 했으면 하는 마음에 낮잠을 챙겨 자는 며느리가 못마땅하다. 하지만 팜티짱은 베트남에서조차 가난 탓에 초등학교도 졸업하지 못해 베트남어를 쓰지도 읽지도 못한다. 한국어를 배우러 다녔지만 같이 공부하는 친구들의 무시에 상처까지 받고, 한국어에 대한 높은 벽이 생겨버렸다. 자신의 그런 아픔도 모르고 계속 공부만 하라는 시어머니가 부담스럽다. 팜티짱의 고향은 베트남 하노이에서 2시간이 걸리는 하이퐁이다. 그동안 며느리에게 무엇이든 공부하기를 바랐던 시어머니는 며느리의 고향을 직접 찾아가 보고 나서야 며느리가 왜 공부에 뒷전이었는지 알게 된다. 며느리의 콤플렉스를 극복하기 위해 함께 찾은 베트남에서 고부는 웃을 수 있을까. 23일 밤 10시 45분 EBS 1TV ‘다문화 고부 열전’에서 이들의 여정을 따라간다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

’캣츠’ 인간이 아닌 고양이가 되기 위한 배우들의 고군분투 “무대 위에서 배우가 몸이 편하다면 고양이가 아니라 인간이 돼 있는 거다. 시종일관 불편해야 고양이가 돼 있는 거다.” 30년 넘게 뮤지컬 ‘캣츠’(5월 10일까지 서울 세종문화회관 대극장)의 연출과 안무를 맡아 온 조앤 로빈슨(65)이 말한 ‘캣츠’의 철칙이다. 배우들은 도도한 자세부터 유연한 움직임, 때론 모여 있고 때론 경계하는 습성까지 고양이 그 자체다. 사람의 몸으로 고양이를 그려 내는 마법이 가능한 건 ‘캣츠’가 30년 동안 이어 온 전통인 ‘고양이 되기’ 훈련 덕분이다. 이처럼 특별한 뮤지컬은 특별한 훈련을 거쳐 완성된다. 무대 위에서 보여지는 건 춤과 노래, 연기지만, 배우들은 무대 뒤에서 보이지 않는 훈련에 구슬땀을 흘린다. ‘캣츠’의 배우들은 본격적인 연습에 들어가기 1주일 전, 고양이의 움직임을 익히는 훈련부터 시작한다. 자신의 몸을 핥는 ‘그루밍’, 높은 곳에서 뛰어내려 착지하기, 몸을 쭉 뻗기 등 고양이의 모든 움직임을 몸에 배게 한다. ‘캣츠’의 상주 안무가인 에마 델메니코는 “고양이는 유연한 동물이라 인간이 도저히 따라할 수 없는 동작이 많아, 다른 작품들보다 스트레칭을 길게 한다”고 말했다. 그 다음엔 배우들이 각자의 캐릭터에 맞춰 움직이기, 각자 꼬리를 받아 자신의 캐릭터에 맞게 꾸미기 등의 과제를 수행한다. ‘극장 고양이’ 거스는 극장과 관련된 소품을 달고 ‘인기남 고양이’ 럼 텀 터거는 화려한 장식으로 꾸미는 식이다. 본격적인 연습을 하는 동안에도 매일 연습 시작 전 1시간 정도 ‘즉흥 흉내내기’ 시간을 갖는다. 무리를 지어 있다가 놀라서 흩어지기, 먹이를 두고 싸우기 등 고양이처럼 움직이고 행동한다. 또 배우들이 저마다 맡은 캐릭터의 기반이 되는 3가지 형용사를 받고 이를 연기로 표현하는 과제도 거친다. 에마 델메니코는 “배우들은 자신이 맡은 캐릭터의 움직임과 감정을 개발해 나가고, 이를 ‘캣츠’의 스토리와 음악, 안무에 맞게 표현한다”면서 “이 과정은 공연이 끝날 때까지 계속되기 때문에, 배우가 ‘고양이 되기’ 작업을 완료하는 순간은 없다고 보면 된다”고 말했다. ’로기수’ “현란한 기술보다 진정성” …탭탠스 안무 위해 4~6개월 맹훈련 안무에 탭댄스가 가미되는 경우 배우들은 4~6개월 동안 발이 부서지도록 탭댄스를 연마한다. 탭댄스를 배우며 꿈을 찾아가는 북한군 포로 소년의 이야기인 창작뮤지컬 ‘로기수’(5월 31일까지 서울 DCF대명문화공장 1관 비발디파크홀)를 준비하며 배우들은 4개월 동안 탭댄스를 배웠다. ‘로기수’에서 중요한 건 “현란한 기술을 구사하는 것보다 진정성을 전달하는 것”(신선호 안무감독)이었다. 제식훈련의 리듬감과 군화의 굽 소리를 탭댄스에 담아내기 위해 배우들은 기본적인 동작을 정확히 구사해 정교한 소리를 내는 데 주력했다. 그럼에도 배우들의 탭댄스 실력은 ‘중상’ 정도의 수준이라는 게 신 감독의 평가다. ’드림걸즈’ 드럼에 맞춰 리듬감 찾기 ‘원스’ 배우들 스스로 화음 맞추기 노래도 훈련으로 완성한다. 뮤지컬 ‘드림걸즈’(5월 25일까지 서울 샤롯데씨어터)는 1960년대 미국을 풍미한 알앤비와 소울, 재즈 등의 음악이 170분 내내 넘실댄다. 그러나 배우들에게 알앤비와 소울 창법보다 더 중시된 건 리듬감이었다. 원미솔 음악감독은 “‘드림걸즈’에서는 노래를 우렁차게 부르는 것보다 리듬에 맞춰 다채롭고 맛있게 부르는 게 중요하다”고 말했다. 배우들은 연습 기간 동안 드럼과 퍼커션 리듬을 타며 노래를 ‘맛깔나게’ 부르는 훈련을 거쳤다. 리듬감 있는 단어를 가사에 넣어 부르고, 리듬에 맞춰 발음을 길게 늘리거나 이어 붙이는 식으로 노래를 연습했다. 지난달 막을 내린 뮤지컬 ‘원스’는 배우들이 악기를 연주하고 노래하는 ‘액터 뮤지션 뮤지컬’이다. 음악감독의 개입 없이 배우들이 음악을 만들어 가는 과정은 ‘원스’만의 독특한 훈련 방식이다. 일반적인 뮤지컬 넘버는 음악감독이 배우들에게 각자의 음역대를 지시하지만, ‘원스’의 넘버는 배우들이 스스로 화음을 맞춰 가며 완성했다. 또 지휘자 없이 서로 신호를 주고받으며 음악을 시작하고 전개해 가는 연습에 공을 들였다. 이 모든 훈련은 “배우들이 음악의 본질을 스스로 찾아 나가는 과정”(김문정 음악감독)이다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

소년병-IS가 만든 또 다른 비극/마이클 웨셀스 지음/이상근 옮김/세리프/408쪽/1만 4800원 지난 1월 국내의 한 18세 소년이 이슬람국가(IS)에 가담했던 사건은 우리 모두에게 큰 충격을 안겼다. 한국 사회는 그가 소셜네트워크서비스(SNS)에 남겨둔 몇 장의 사진과 글로 그를 ‘사회 부적응자’로 낙인 찍었다. 하지만 그가 IS에서 무엇을 경험하고 있는지, 언젠가 돌아올지도 모를 그를 어떻게 보듬어야 할지에 대해서는 알 도리가 없을뿐더러 애써 외면하는 듯하다. 책은 우리가 알지 못하는 소년병 당사자들의 목소리를 논의의 한가운데로 끌어냈다. 미국 컬럼비아대 심리학과 교수인 저자는 세계 곳곳의 분쟁지역을 돌며 10년에 걸친 현장조사, 400명이 넘는 소년병 인터뷰를 통해 이들의 경험과 기억을 재구성했다. 그는 소년병들을 ‘청소년 살인마’라는 선정적인 이미지로 왜곡하는 시선도, 평생 상처를 안고 살아갈 존재로 여기는 시각도 배제한다. 대신 이들의 목소리를 가감 없이 담은 것은 물론 이들이 사회에 적응해 나갈 복원력까지도 긍정적으로 조명한다. 저자는 소년병들이 무장단체에 가담하는 동기에서 시작해 병사, 스파이, 짐꾼 등으로 소모되는 과정, 전쟁이 남긴 질병과 트라우마까지를 이들의 시선으로 따라간다. 이들의 일부는 7세 전후에 손에 총을 쥐며, 눈앞에서 형제의 죽음을 목격하기도 한다. 심지어 소년병들의 상당 부분을 소녀병들이 차지하고 있으며, 이들은 성폭력의 희생자가 되고 있다. 저자는 이 악순환을 끊기 위한 대안을 공동체에서 찾는다. 소년병 출신들이 사회에 적응함은 물론 더이상 징집되지 않도록 지역사회와 국가, 지구촌이 체계적인 보호망을 구축해야 한다고 강조한다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

테니스 라켓을 손에 든 라이토와 엘(L) 사이에 긴장감이 팽팽하다. “탕! 탕!” 라켓에 공이 닿는 소리는 흡사 총소리처럼 뇌리에 박힌다. “이것은 / 서로 속이고 / 서로 찾아내고 / 서로 끌어내어 / 서로 죽이는 / 게임이다.” 이름이 적히면 죽는 ‘데스노트’를 손에 넣고 폭주하는 라이토와 그를 저지하려는 탐정 엘이 링 위에서 벌이는 신경전은 날 선 록 넘버를 입고 강렬한 불꽃을 튀긴다. 지난 6일 일본 도쿄 지요다구의 닛세이극장에서 처음 공개된 일본 뮤지컬 ‘데스노트’는 향후 한국 뮤지컬 시장에 적잖은 변화를 예고할 작품으로 점쳐진다. 일본에서만 단행본이 3000만부 이상 판매되고 애니메이션과 영화, 게임으로도 만들어진 동명의 만화를 일본 굴지의 엔터테인먼트사 호리프로가 제작하고 일본의 거장 구리야마 다미야가 연출을, 한국에서 사랑받는 작곡가 프랭크 와일드혼이 작곡을 맡았다. 오는 6월에는 세계 첫 라이선스로 한국에서 공연된다. 일본의 대형 뮤지컬이 라이선스로 한국 시장에 상륙하는 첫 사례이자 뮤지컬계 ‘블루칩’인 JYJ 멤버 김준수가 소속된 씨제스엔터테인먼트가 자회사 씨제스컬쳐를 설립하고 뮤지컬 제작에 뛰어드는 신호탄이다. ‘데스노트’는 작품 스타일 면에서 한국 시장으로의 연착륙이 어렵지 않을 것으로 보인다. 지난 15일 닛세이극장에서 미리 본 ‘데스노트’는 만화의 실사판 뮤지컬에서 우려되는 유치함을 걷어내고 1200석 규모의 대극장에 맞는 무게감을 구현하는 데 성공했다. 원작 만화는 ‘데스노트’를 손에 넣은 고교생 라이토가 정의의 이름으로 살인을 자행하는 과정에서 정의와 윤리의 의미, 현대사회의 ‘조용한 광기’가 가져오는 인간성의 타락을 날카롭게 짚어낸다. 뮤지컬은 무대 언어를 효과적으로 조합해 원작의 메시지를 살려냈다. 철골로 된 2층 구조물이 전부인 무대 세트는 백색의 핀 조명과 핑그르르 도는 회전 무대, 영상과 결합해 음울한 분위기를 자아낸다. 만화의 독자들을 열광시켰던 치밀한 추리와 반전은 부족했지만 세상을 향한 냉소와 폭주하는 광기, 신이 되고자 했던 소년의 허무한 파멸까지의 과정은 연극적인 연출로 충실하게 되살아난다. 넘버의 가사는 정의, 진실, 삶과 죽음 등의 철학적인 메시지들로 비장미를 담았다. 프랭크 와일드혼의 넘버는 ‘한 방’은 없지만 무난하게 귀에 들어온다. 라이토와 엘의 대결에서는 록, 이들을 시험하고 지켜보는 사신 류크와 렘에 대해서는 엔카풍의 넘버로 캐릭터를 살리고 강약을 조절한다. 데스노트에 이름이 적히면 40초 안에 죽는다는 설정은 째깍째깍 울리는 시계 초침의 효과음으로 긴장감 있게 살렸다. 한국 공연은 ‘레플리카’(대본, 음악, 동선 등을 그대로 옮겨 오는 것)로 연출될 계획이나 한국 관객들에게 맞춘 작품 수정은 불가피할 것으로 보인다. 일본 배우들의 부족한 성량에 맞춘 듯한 넘버는 웅장한 넘버를 선호하는 한국 관객들의 기대에 역부족이다. 교실에서 갑자기 정의를 외치는 학생들, 소녀 아이돌 가수로 설정된 ‘미사’ 캐릭터 등도 한국 관객들에게는 낯설다. 무엇보다 마니악한 이미지가 강한 작품을 1800석 규모의 대극장(성남아트센터 오페라하우스)에 걸맞게 키워 내는 것이 관건이다. 씨제스컬쳐는 ‘미사’ 캐릭터를 20대 가수로 바꾸는 등 한국 관객의 취향을 고려해 작품을 수정하는 데 고심하고 있다. ‘데스노트’ 이후에는 오는 12월 일본 뮤지컬 ‘오케피’가 한국에서 초연되는 만큼 일본 뮤지컬의 한국화(化) 가능성에 시선이 모인다. 한국 공연에서는 뮤지컬계 흥행 보증수표인 홍광호와 김준수가 라이토와 엘 역으로 ‘원투펀치’를 날리는 덕에 상업적인 성공은 무난할 전망이다. 이 때문에 주목되는 건 씨제스와 같은 엔터테인먼트사가 뮤지컬 시장에 안착할 가능성이다. 앞서 SM엔터테인먼트는 자회사 SM C&C를 설립하고 소속 아이돌 스타들을 앞세운 ‘싱잉 인 더 레인’을 지난해 초연했다. 관객 저변 확대와 아이돌 위주의 시장 재편이라는 기대와 우려가 교차하는 가운데 관건은 ‘아이돌 뮤지컬’을 넘어서고 완성도를 성취하느냐에 달렸다는 시각이 지배적이다. 도쿄 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

1985년 마이클 잭슨과 스티비 원더, 밥 딜런 등 50여명의 세계적 거장이 기아로 죽어가는 난민과 아이들을 돕기 위해 ‘위 아 더 월드’를 노래했다. 이후 ‘역사상 가장 빨리 팔린 앨범’이라는 수식어와 함께 많은 구호의 손길이 절망의 땅, 아프리카로 모이게 된다. 아픔을 나누는 가장 큰 매개체가 있다면 아마 ‘음악’일 것이다. 가슴 시린 4월. EBS 스페이스 공감과 27명의 뮤지션들은 자신들의 노래를 통해 이 시대에 위로를 건넨다. 16일 밤 12시 10분 EBS 1TV에서 방송되는 ‘스페이스 공감’은 특집 ‘노래가 필요할 때’로 꾸며진다. 뮤지션들이 각각 바다, 골목길, 학교, 집 등 일상의 장소를 찾아가 라이브로 노래를 부른다. 싱어송라이터 짙은과 2015년 한국대중음악상 올해의 음반 부문을 수상한 밴드 로로스, 서정적인 음악을 들려주는 듀엣 랄라스윗, 밴드 김오키 동양청년과 할로우잰, 싱어송라이터 김목인과 강아솔, 피아니스트 이건민, 보컬리스트 말로 등 포스트록부터 즉흥 재즈까지 아우른 8개 팀이 찾아온다. 뛰어난 영상과 현장의 소리들이 고스란히 포함된 그들의 음악은 기존의 스페이스 공감과는 또 다른 감동을 선사한다. 이어 오전 1시 5분에는 미국 출신의 알토 색소포니스트 ‘짐 스나이데로’를 만난다. 재즈의 과거와 현재를 가장 성공적으로 이어온 아티스트로 평가받는 그는 전통적인 재즈 색소폰의 매력에 현대적인 작곡과 세련된 감각을 더한다. 그는 한국에서 활동 중인 연주자들과 함께 무대에 올라 자신의 창작곡과 새 앨범 ‘메인 스트리트’의 수록곡들을 들려준다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

취업도 연애도 못하는 25세 대학생 병재는 우연히 초능력을 얻는다. 그러나 그의 초능력은 부끄러운 순간에 발휘된다. 그는 발가벗은 채 캠퍼스를 뛰어다니고, 첫눈에 반한 여학생 앞에서 “오해 마시라”며 옷을 벗는다.(tvN ‘초인시대’) 대중문화 속 ‘삼포세대’(연애·결혼·출산을 포기한 젊은 세대)가 달라졌다. 이들은 긍정적인 마음으로 현실을 이겨내지도, 장그래처럼 고개를 푹 숙이지도 않는다. 자신들의 아픔을 숨기지 않되 웃음으로 승화시킨다. 최근 삼포세대를 다룬 대중문화 콘텐츠들이 B급 코미디나 ‘먹방’ 등 2030세대들이 공감하는 코드와 맞물리면서 나타난 변화다. 삼포세대가 B급 코미디와 맞물린 화제작은 tvN 드라마 ‘초인시대’다. 꿈을 꾸지도, 사랑을 하지도 못하는 대학생들이 초능력을 가진 히어로가 된다는 설정에서 출발한 판타지 코미디다. 주인공 병재는 초능력을 이용해 과거로 돌아갔지만 한번 망친 시험을 또 망친다. 하지만 일을 시켜놓고 ‘열정페이’로 무마한 선배를 찾아가 시원한 욕 한 사발을 해줄 수는 있다. ‘병맛’ 유머로 점철된 외피 안에는 돈도 희망도 없는 대학생들의 좌절감이 가득하다. 직접 대본을 쓰고 주인공을 맡은 유병재(27)는 “스스로 무능력하다고 생각하는 젊은이들에게 세상에 쓸모없는 사람은 없다는 이야기를 전하고 싶었다”고 말했다. 한국영화가 고전을 면치 못하는 가운데 홀로 300만 관객 돌파를 눈앞에 둔 영화 ‘스물’도 스무살 청춘의 찌질함을 ‘병맛’ 코미디로 승화한다. 대학생활도, 집안 형편도 녹록지 않지만 이들은 방황하지도, 고뇌하지도 않는다. 대신 여자를 꼬실 방법을 고민하며 하릴없는 농담으로 자신들의 현실을 웃어넘긴다. 최신 라이프스타일을 소재로 한 드라마에서도 삼포세대는 빠질 수 없는 소재다. ‘1인가구’ 라이프스타일과 ‘먹방’을 버무린 tvN ‘식샤를 합시다 시즌2’의 여주인공은 백수나 다름없는 프리랜서 작가 ‘백수지’다. 그는 지역 축제의 원고를 썼더니 급여로 돈이 아닌 구운 김을 받고, 집으로 돌아와 구운 김에 밥을 말아 간장을 찍어 우적우적 씹어먹는다. 청춘들의 각양각색 동거 생활을 그린 Mnet의 드라마 ‘더 러버’ 속 연애 5년차 연인 오도시와 류두리는 경제적인 이유로 결혼을 미루고 동거한다. 라면에 수프를 더 넣느냐, 물을 더 넣느냐 하는 사소한 일로 투닥거리며 살아간다. 대중문화 속 청춘들은 주로 아프지만 꿋꿋하게 살아가는 건강한 젊은이로 묘사돼 왔다. 그러다 tvN ‘미생’이 정규직의 문턱에서 좌절하는 장그래의 눈물을 통해 묵직한 울림을 줬다. 이처럼 최근 2030세대는 또래의 ‘웃픈’ 이야기에 다양한 방식으로 반응한다. 안상휘 CJ E&M 국장은 “청년들의 아픔을 직접적으로 보여주면 찍는 사람도, 보는 사람도 힘들다”면서 “웃음 속에 아픔을 느끼게 하는 페이소스가 오히려 공감의 힘을 발휘할 수 있다”고 말했다. 김헌식 대중문화평론가는 “우울한 현실을 심각하게만 받아들이면 지는 것이라는 말처럼 암울한 현실을 웃음으로 극복하려는 소극적 저항의 의지로 볼 수 있다”면서 “또 ‘스물’에서 세 친구가 등장하듯 혼자보다 함께함으로써 아픔을 이겨내려 한다”고 짚었다. ‘이케아 세대 그들의 역습이 시작됐다’ 등의 저서로 삼포세대 담론을 펼쳐 온 전영수 한양대 국제학대학원 특임교수는 “젊은이들이 자신의 절망이 누구나 느끼는 절망이라는 것을 TV를 통해 확인하고 동질감을 느끼는 것”이라면서 “자신들의 현실을 자조 섞인 이미지로 표출하면서 오히려 기성세대에게 말을 거는 것일 수도 있다”고 분석했다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

‘세월호’는 현재 진행형이다. 어이없는 사고들은 계속되고, 생명과 안전을 그저 운에 맡긴 채 살아가야 한다. 이런 한국 사회의 현실에 절망하는 이들 또한 많아지고 있다. 세월호 이후 학계에서는 세월호라는 비극을 잉태한 한국 사회의 근본 원인을 찾는 데 주력해 왔다. 국가라는 제도와 책임 의식이라는 윤리의 동반 침몰, 그리고 한국 사회라는 공동체의 총체적 위기에 대한 성찰 없는 재난 대책은 한계를 가질 수밖에 없음을 한국 사회는 깨달았다. ‘세월호는 한국인의 자화상입니다’라는 한 재미 언론인의 글이 한국 사회에 큰 반향을 불러일으킨 것도 이런 문제의식과 무관하지 않다. “한국인 의식 속에는 절제하는 브레이크보다는 속도를 내는 액셀러레이터가 지배적입니다. 빨리빨리 문화는 한국이 선진국으로 부상하는 데 원동력이 됐지만, 균형과 절제력을 잃으면서 한국을 침식시키는 부식제가 되고 있습니다. (…) 한국 사회 곳곳에 부정부패가 켜켜이 쌓이고 무사안일, 적당주의, 형식주의가 적폐된 사회에서 또 다른 세월호가 시한폭탄처럼 기다리고 있습니다.” ‘사람을 존중하는, 그래서 사람이 살 수 있는 사회’를 만들어야 한다는 목소리들이 공감을 얻고 있다. ‘한국 사회 다시 만들기’라는 더욱 본질적인 고민을 통해 위기의 공동체를 먼저 살려야 한다는 인식도 커지고 있다. 14일 밤 10시 KBS 1TV에서 방송되는 ‘시사기획 창-세월호 1년, 우리는 달라졌나’에서는 세월호 이후 한국인들을 사로잡고 있는 가치관은 무엇인지, 세월호와 같은 사회적 실패를 거듭하지 않기 위한 ‘한국 사회 다시 만들기’를 위해 필요한 것들은 무엇인지 모색해 본다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

서울연극제가 결국 파행 개최를 피할 수 없게 됐다. 서울연극제 집행위원회는 대학로 아르코예술극장 대관을 전면 거부하고 해당 극장 무대에 올릴 예정이었던 공식 참가작들을 다른 극장에서 공연하기로 결정했다. 1977년 ‘대한민국연극제’로 시작해 36회를 맞는 서울연극제가 ‘연극인의 고향’으로 불리는 아르코예술극장에서 열리지 않는 건 처음 있는 일이다.<서울신문 2014년 12월 1일자 18면 참조> 지난 4일 대학로 일대에서 개막한 서울연극제는 한국문화예술위원회 공연예술센터가 운영하는 아르코예술극장 대극장에서 공식참가작 2편을 올릴 예정이었다. 그러나 지난 3일 예술위가 극장 무대장치 이상을 이유로 임시 폐쇄를 결정하면서 난관에 놓였다. 집행위원회는 예술위에 대극장 규모의 대체 극장을 마련해줄 것을 요청했으나 예술위는 지난 9일 소극장을 대안으로 제안했고, 집행위원회는 내부 논의 끝에 이를 수용하지 않기로 했다. 이에 따라 극단 광장의 ‘6·29가 보낸 예고 부고장’(23~29일)은 무대 사이즈를 줄여 대학로 소재 소극장에서, 극단 76의 ‘물의 노래’(내달 3~9일)는 대학로 밖의 극장에서 공연된다. 집행위는 문예위에 대한 항의의 의미로 아르코예술극장 소극장에서 공연될 예정이었던 극단 명작옥수수밭의 ‘청춘, 간다’도 대학로 소재 소극장에서 공연하기로 했다. 또 문예위와 공연예술센터 집행부를 상대로 민·형사상 책임을 묻기로 했다. 서울연극제는 지난해 문예위의 극장 대관 심사에서 처음으로 탈락하면서 문예위와 갈등을 빚었다. 문예위가 아르코예술극장을 3주 동안 대관하기로 하면서 한차례 갈등을 봉합한 바 있다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

디즈니 영화 ‘겨울왕국’의 주제곡 ‘렛 잇 고(Let It Go)’는 지난 1년 동안 지구상에서 가장 많이 불린 노래 중 하나라 해도 과언이 아니다. 전세계 내로라하는 가수들이 이 노래를 따라 불러 가창력을 뽐냈고, 우는 아이들에게 들려주면 울음을 뚝 그쳤다. ‘겨울왕국’에서 주인공 ‘엘사’의 목소리를 연기하고 주제곡을 부른 이디나 멘젤(44)이 다음달 30일 내한공연을 연다. 전세계 남녀노소를 사로잡은 목소리를 눈앞의 무대에서 들을 수 있는 기회다. 방한에 앞서 이메일로 먼저 만난 멘젤은 ‘겨울왕국’을 “특별한 작품”이라고 돌이켰다. 그가 브로드웨이 디바에서 세계적인 팝 디바로 발돋움할 수 있는 계기였기 때문이다. 그는 “‘겨울왕국’의 성공으로 예전에는 만나지 못했던 각국의 팬들이 내 이름을 알게 됐다”면서 “올해 초 슈퍼볼 오프닝에서 미국 국가를 부르는 영광을 얻었다”고 말했다. ‘렛 잇 고’로 알려진 가수라고 하기엔 브로드웨이에서 그의 존재감은 너무나 크다. 1996년 뮤지컬 ‘렌트’로 데뷔하자마자 토니어워드 여우조연상 후보에 이름을 올린 그는, 2003년 뮤지컬 ‘위키드’의 초록마녀 ‘엘파바’ 역으로 토니어워드 여우주연상을 거머쥐며 디바의 반열에 올랐다. 특히 그는 ‘렌트’와 ‘위키드’의 초연 배우이자, ‘엘파바’ 캐릭터의 규범을 만들어 냈다는 점에서 의미가 남다르다. “두 작품의 오리지널 공연에 선 건 큰 행운이었습니다. 그 작품들이 세계 각국에서 라이선스로 공연된다는 것도 영광이죠.” ‘아이다’ ‘씨 왓 아이 워너 씨’ 등 수많은 뮤지컬 무대에 올랐던 그는 지난해 ‘이프/덴’을 통해 토니어워드 여우주연상 후보에 또 한번 지명됐다. 그중 가장 기억에 남는 작품은 ‘위키드’란다. “‘디파잉 그래비티’(‘위키드’의 대표 넘버)와 같은 곡을 레퍼토리로 갖게 됐다”는 이유에서다. 그는 뮤지컬 배우에 멈추지 않고 팝 가수로 꾸준히 앨범을 발표했고 영화 ‘렌트’, 드라마 ‘글리’ 등에도 출연하며 자기확장을 거듭했다. ‘엘사’가 사람들의 멸시를 이겨 내고 자신의 왕국을 만들었듯, 그 역시 브로드웨이에서 인정받은 후에도 여러 음반사에서 거절당했다. “팝 가수로서는 결코 성공할 수 없을 거라는 이야기를 들었어요. 하지만 전 노래하고 연기하는 것에만 집중했어요. 제가 그 시간들을 통해 배운 게 있다면, 자신이 좋아하는 일을 하는 데만 집중한다면 그다음 신기한 일들이 일어나고 사람들은 당신이 세상에 무엇을 선사할 수 있는지 알아챈다는 것이에요.” 이번 내한공연에는 그와 함께하는 밴드와 15인조 오케스트라가 함께 무대에 오른다. ‘렛 잇 고’를 비롯해 ‘위키드’ ‘렌트’ ‘아이다’ 등 그가 뮤지컬 무대에서 열창한 넘버들을 선사한다. “지금도 어떤 무대를 만들지 세세한 부분을 구상 중”이라는 그는 “가장 중요한 건 나를 무대에서 최대한 투명하게 열어 보이는 것”이라고 말했다. “저는 매 순간 살아 있는 무대 위의 주인공이고, 그 순간 진실하게 존재해야 한다고 믿습니다. 관객들이 공연을 보고 난 뒤 작은 창 너머로 제 영혼을 들여다본 것처럼 느낄 수 있도록 노력하죠. 한국 팬들을 만날 생각에 무척 설렙니다.” 5월 30일 서울 송파구 올림픽공원 올림픽홀. 7만 7000원~15만 4000원. (02)552-2505 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

필요한 사람인가/한상복 엮음/위즈덤하우스/280쪽/1만 3000원 사람은 누구나 타인에게 착한 사람, 좋은 사람, 쓸모 있는 사람이라는 이야기를 듣고 싶어 한다. 하지만 학창시절 도덕 교과서에서 배운 대로 살아가다간 ‘호구’가 되기 십상이다. 사람 좋은 미소 뒤에 적당한 이기심을 감추고 눈치껏 살아가는 게 상책이다. 착하게 살 것을 배웠지만 정작 자신을 지켜주는 건 이기심인 모순 가득한 세상이다. 그래서 나는 어떻게 살아야 하는가 하는 고민은 불현듯 떠올라 우리의 양심을 쿡쿡 찌른다. 일찍이 17세기 유럽의 현자들은 이 같은 고민에 통렬한 해답을 내놓았다. 발타자르 그라시안과 프랑수아드 라로슈푸코, 장 드 라브뤼예르가 그들이다. 현대 자기계발의 시초라 불리는 이 현자들은 ‘어떻게 살아가는 게 인간다운 것인가’를 끊임없이 질문하며 인간의 위선과 허영, 이기심을 예리하게 포착한다. 이들은 부조리와 불합리로 가득한 시대에서 너무 착할 필요도, 또 지나친 이기심에 사로잡힐 필요도 없다고 이야기한다. 그저 이 모순을 인정하고 더불어 살아가는 현명함을 요구한다. 이들의 고민이 모이는 지점은 ‘필요한 사람인가’라는 대목이다. 이들은 자신의 쓰임이 소모되지 않으면서 남의 필요를 충족해 주는, 즉 자신의 쓰임으로 타인과 ‘윈·윈’하는 지혜를 강조한다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

아이들이 부모의 품을 떠나 초등학교에 입학하면 부모들은 아이들이 학교에서 잘 지내는지 마음을 졸인다. 10일 밤 7시 EBS 1TV에서 방송되는 ‘두근두근 학교에 가면’은 이 같은 부모의 마음을 달래 줄 만한 프로그램이다. 국내 방송으로는 최초로 초등학교 1학년 교실을 현장 중계한다는 파격적인 형식을 선보이기 때문이다. 교실 중계방송 ‘두근두근 학교에 가면’은 실제 한 초등학교 1학년 교실을 약 6개월간 들여다본다. 16대의 관찰 카메라를 설치해 등교, 수업, 쉬는 시간, 하교까지 1학년 2반 21명의 학교 생활을 보여 준다. 네 살 난 딸을 둔 개그맨 이병진과 다섯 살의 아들을 둔 아나운서 정지영이 중계석에 앉는다. 이들은 “내 아이의 학교생활을 들여다본다는 마음으로 중계할 것”이라고 포부를 밝혔다. 프로그램은 초등학교 1학년 아이를 뒀거나 자녀의 초등학교 입학을 앞둔 부모들을 위한 첫 학교생활의 지침을 제공한다. 학교가 보내오는 알림장과 가정통신문으로도 속 시원히 알 수 없었던 ‘교실 속 우리 아이의 생활’을 화면에 담는다. 학교에서 배우는 줄서기, 옷 걸기, 이름표 만들기 등 학교에서 무엇을 배우고 어떤 점을 어려워하는지 보여 준다. 또 학부모로서 이를 어떻게 이끌어 나가야 할지 보여 줘 부모의 불안과 궁금증을 해소해 준다. 프로그램은 아이들 본연의 모습을 그대로 담는 데 주력하겠다고 밝혔다. 제작진은 “학교라는 공간에서 성장해 가는 모든 아이에게는 ‘스스로 할 수 있는 힘’과 ‘내가 잘하는 일’이 있다”면서 “‘학교 안에 모든 것이 있다’는 말처럼 아이들이 커 가는 과정을 믿고 지켜보자”고 말했다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

방송가의 연예인 가족 예능프로그램이 ‘2라운드’를 맞이했다. 판타지 같은 연예인 가족의 생활을 보여 주던 프로그램의 틈새를 비집고 ‘우리와 다를 바 없는’ 연예인 가족의 모습을 내세운 프로그램들이 등장한 것이다. 최근 방영을 시작한 SBS ‘아빠를 부탁해’와 tvN 파일럿 프로그램 ‘엄마사람’은 각각 6%대, 1%대(유료플랫폼 기준)의 시청률을 기록하고 있다. ‘대박’은 아니지만 온라인에서의 화제성은 높은 편이다. “연예인 가족은 이제 그만”을 외치면서도 저절로 채널을 고정하게 하는 비결은 현실감을 통한 차별화에 있다. ‘아빠를 부탁해’는 중년의 아빠(조재현·강석우·이경규·조민기)와 이들의 스무 살 안팎인 딸들의 서먹서먹한 관계를 포착한다. 조재현은 딸과 단 둘이 소파에 앉아서도 말을 못 붙이고, 강석우는 흰머리를 염색해 주는 딸에게 괜히 툴툴댄다. ‘치맥’을 함께하고 요리도 만들며 친해지려 애쓰는 연예인 부녀의 모습은 여느 가정에서나 볼 수 있는 풍경이다. 첫 방영 후 3회까지의 시청자들을 성별·연령대별로 분석한 결과 40대 여성(15.7%) 다음으로 40대 남성(13.2%, 닐슨코리아)의 비중이 높았다. 가족 예능의 시청률이 40~50대 여성에서 높게 나오는 것과 비교하면 이례적이다. ‘엄마사람’은 현실에서 육아를 떠맡는 엄마를 내세워 ‘아빠 육아’ 프로그램과 선을 긋는다. 네 살 이하의 자녀를 둔 엄마(황혜영, 이지현, 현영)들이 피곤에 찌든 얼굴로 아이를 재우고, 먹이고, 달래는 고군분투를 담는다. 여기에 일반인 엄마들로 구성된 ‘엄마공감단’이 VCR 화면으로 이들을 지켜보며 맞장구를 치거나 눈시울을 붉힌다. 방송 직후 인터넷 육아 커뮤니티에는 “내 이야기 같아 울었다”는 후기가 쏟아진다. ‘엄마사람’의 박종훈 PD는 “연예인 엄마들과 일반인 엄마들의 모습이 다를 바 없다는 점을 보여 주고 시청자들의 공감도를 높이고자 했다”고 말했다. MBC ‘아빠 어디가?’와 KBS ‘슈퍼맨이 돌아왔다’, SBS ‘오! 마이 베이비’로 이어진 연예인 육아예능의 인기는 공감보다는 선망과 대리만족에 기반하고 있다는 분석이 많다. 육아예능의 대표 격인 ‘슈퍼맨’이 주력하는 것은 영유아들의 귀여운 모습과 아빠와 함께하는 ‘이벤트’들이다. 김미라 서울여대 언론영상학부 교수는 “아이들의 순진무구함이 주는 흐뭇함이 ‘내 아이 낳기 힘든’ 사회에서 대리만족을 준다”면서 “아빠가 48시간 동안 아이와 함께 있을 수 있다는 것 자체가 한국 사회에서는 불가능한 바람”이라고 분석했다. 판타지 가득한 프로그램은 동시에 현실과의 괴리감도 안겨 준다. “육아는 한두 번 아이들과 놀러 나가는 게 아니라 일상 속에서 이뤄지는 일”(이윤소 한국여성민우회 미디어운동본부 활동가)이기 때문이다. ‘엄마사람’의 박종훈 PD는 “지금까지의 가족·육아예능이 시청자들이 보고 싶은 모습을 주로 보여 줬다면, 이제는 보통의 사람들이 사는 모습을 통해 현실감을 강조하는 방향으로 변화하고 있다”고 말했다. 그러나 공감 코드를 강화한 가족 예능도 결국 ‘연예인 가족 들여다보기’라는 점에서 현실과 판타지 사이를 아슬아슬하게 오가고 있다. 연예인 가족의 TV 출연에 대한 시청자들의 갑론을박도 여전하다. 김교석 대중문화평론가는 “시청자들이 TV 속 행복한 가정의 이미지로 대리만족을 얻고, 이를 자신의 삶 속으로 가져올 수 있다면 긍정적”이라고 평가했다. 반면 김미라 교수는 “연예인 가족 예능의 인기에는 스타들의 가족이 어떤 사람인지, 어떻게 생활하는지를 엿보고 싶어하는 관음증도 한몫한다”면서 “연예인의 육아 방식이나 가정 생활을 따라 하려는 욕구를 자극해 결과적으로 위화감을 조성할 수도 있다”고 지적했다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

미국 뉴욕의 뒷골목을 누비다 귀국해 1968년 음악감상실 쎄시봉에서 자작곡을 부르기 시작한 스무 살 청년 한대수는 치렁치렁한 머리와 포효하는 창법 탓에 ‘기인’ 취급을 받았다. 1974년 발표한 1집 앨범 ‘멀고 먼 길’은 괴이하게 일그러진 표정을 대문짝만하게 실은 앨범 커버부터 ‘문제적’이었다. 그는 편견으로 자신을 바라봤던 세상을 향해 “목 마르요 물 좀 주소”라 외쳤다. 암울한 현실에 굴하지 않고 줄기차게 자유를 외쳐 온 그는 ‘한국 포크록의 효시’로 평가받는다. ●손무현·강산에 등 후배 뮤지션과 기념앨범 작업 ‘의기투합’ ‘포크록의 대부’ 한대수(67)가 올해로 데뷔 40주년을 맞는다. ‘한국 최초의 히피’는 어느덧 ‘로큰롤 할배’가 됐다. 이 ‘할배’를 향한 후배 뮤지션들의 존경심은 뜨겁다. 그의 데뷔 40주년을 기념해 손무현을 필두로 전인권, 강산에, 김도균, 신대철, 윤도현, 이상은, 장기하 등이 의기투합해 헌정앨범 ‘한대수 리버스(Rebirth)’를 발표한다. 또 오는 25~26일 서울 강남구 LG아트센터에서 트리뷰트(헌정) 콘서트 ‘한대수 리버스(Beverse/Bebirth)를 연다. 지난 1일에는 음악 인생 40년을 돌아보는 책 ‘한대수 더 북’도 출간됐다. 지난 8일 LG아트센터에서 열린 기자간담회에 나타난 그의 목소리는 여전히 걸걸하고 우렁찼다. 손무현, 강산에 등 후배 뮤지션은 물론 부인과 딸 양호(8)에 둘러싸인 그의 얼굴에는 웃음이 가득했다. “내가 올해로 68세인데, 내 나이와 비슷한 로커들이 많이 죽었더라고요. 죽기 전에 카네기홀에서 공연 한번 해야죠. 허허.” 트리뷰트 앨범은 시작부터 특별했다. CBS 라디오 프로그램 ‘라디오 3.0’에서 그의 데뷔 40주년을 기념하는 음반을 만드는 프로젝트를 기획한 게 출발이었다. 2014년 5월 시작한 프로젝트는 아티스트 섭외와 마케팅, 디자인 등에 청취자가 참여했으며 크라우드 펀딩을 통해 제작비를 모았다. 손무현은 무보수로 프로듀싱을 맡았고 후배 뮤지션들은 기꺼이 녹음실로 달려왔다. “최근 10년 동안 대중음악 시스템이 기획자를 통해 방송국과의 관계 속에 음악이 발표되는 식이었습니다. 록이나 포크 앨범이 이렇게 제대로 제작비를 들이고 나오는 건 우리나라에서 기적이라고 생각합니다.” ●“올해로 68세… 죽기 전에 카네기홀서 공연 한번 해야죠” YB와 함께한 ‘행복의 나라’는 윤도현의 수더분한 목소리와 한대수의 시원한 목소리가 한데 겹치고, 이현도가 참여한 ‘물 좀 주소’는 힙합과 전자음의 옷을 입었다. 전인권은 ‘자유의 길’을 부르며 한대수의 곡을 자기 옷처럼 입었다. 후배 뮤지션들과 그의 팬들은 ‘하루 아침’에서 아름다운 하모니로 존경의 뜻을 표한다. ‘나는 졌소’와 ‘마이 러브’는 이번 앨범을 통해 공개되는 신곡이다. ‘마이 러브’는 그가 고등학교 시절 노트를 뒤지다 녹음을 하지 않은 곡을 찾아낸 것이다. ‘나는 졌소’는 한대수식(式) 시대유감을 담은 블루스곡이다. “전쟁과 테러부터 시작해 아이 혼자 유치원도 보내지 못하는 세상이죠. 이성을 잃은 시대에서 우린 모두 패배자라고, 실패를 받아들이고 다시 일어서자는 메시지를 담았습니다.” 그는 이번 콘서트가 마지막이 될 수도 있다고 했다. “연습을 하면서 육체적인 한계가 오고 있다”는 그는 그러면서도 “하는 데까지는 계속할 것”이라고 말한다. 그의 목소리에는 여전히 힘이 넘쳤다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

대학로에서 마니아 관객들의 사랑을 받은 공연도, 성 소수자를 주인공으로 한 공연도 많다. 2012년 초연한 연극 ‘엠 버터플라이’는 이 카테고리 안에서도 조금 특별한 위치에 놓여 있다. 미국계 중국인 극작가 데이비드 헨리 황이 오페라 ‘나비부인’에 깃든 오리엔탈리즘의 허구를 파고든 희곡은 여장 남자를 사랑한 한 남자의 이야기에서 동양과 서양, 남성과 여성, 지배와 피지배라는 이분법적 가치의 전복으로 확장된다. 초연 당시 관객들은 무대 곳곳에 스며든 의미를 찾아 분석하느라 ‘회전문’을 돌아야 했다. 관객들의 열정적인 지지는 2014년 재공연과 누적 관객 2만 5000명의 기록으로 이어졌다. ●2012년 초연에 2014년 재공연… 누적관객 2만 5000명 연극의 성공 뒤에는 연출가 김광보(51)와 배우 김영민(44)의 ‘찰떡궁합’이 있었다. 김광보 연출은 상업성과 예술성을 동시에 성취한, 최근 연극계에서 가장 바쁜 연출가다. 초연에서 주인공 르네 갈리마르 역을 맡은 배우 김영민은 무대와 스크린을 오가며 한창 주가를 높이고 있다. 김 연출은 2005년 연극 ‘에쿠우스’로 처음 손을 잡았던 김영민을 갈리마르 역에 발탁했고, 김영민은 치밀하고 처절한 열연으로 호평을 이끌어냈다. 오는 11일 세 번째 공연무대의 막이 오르는 ‘엠, 버터플라이’에서 둘은 다시 호흡을 맞춘다. 막바지 연습에 한창인 이들을 대학로에서 만났다. 김 연출이 갈리마르 역으로 김영민을 점찍었던 예리한 ‘촉’에 대해서부터 이야기를 시작했다. “2010년 ‘내 심장을 쏴라’를 함께 작업할 때였어요. 언젠가 저렇게 잘생긴 남자가 무대 위에서 찌질한 모습을 보이면 얼마나 재미있을까 하는 생각이 들었죠. 갈리마르라는 인물은 찌질하고 처참하게 무너지는 인간의 모습이거든요.”(김광보) ●김광보 “김영민은 넓은 스펙트럼을 가진 배우” 나약하고 볼품없었던 프랑스 남성 갈리마르는 아름답고 순종적인 중국의 경극 배우 송 릴링을 만나 환상에 사로잡히고 마초적인 욕망을 끄집어낸다. 그러나 그가 여장을 벗고 남성으로 나타난 순간, 갈리마르는 자신이 만들어낸 환상이 허구였음을 깨닫고 그 안에 자신을 가둬 파멸해간다. 홀로 과거와 현재, 극한의 쾌락과 추락을 오가는 스펙트럼 넓은 캐릭터를 김영민은 자기파괴적인 연기로 객석을 설득해냈다. “갈리마르는 모든 남자 배우들이 도전해 보고 싶을 만한 역할인데, 영민씨가 갈리마르의 규범을 만들어냈죠.”(김광보) 멀티캐스팅이 대부분인 공연계에서 홀로 갈리마르 역을 맡았던 것도 한몫했다. “제 작품을 책임진다는 생각에 ‘원 캐스팅’을 고집했어요. 그럴수록 스스로 더 파괴되기도 하니까요. 저의 연기 폭이 넓어지고 깊어질 수 있어 감사할 뿐입니다.”(김영민) ‘엠, 버터플라이’는 인간의 본성과 인류의 역사, 세상의 가치관까지 방대한 세계를 110분 안에 담아낸다. 그만큼 다채로운 해석을 낳으며 관객의 지적 욕구를 자극한다. 연출가와 배우들의 고민도 치열하고 깊어질 수밖에 없다. 초연 때 이미 대본을 완벽히 해석했다는 김 연출은 김영민에게서 인간 본성의 밑바닥을 끄집어내는 데 주력하고 있다. “수컷성, 공격성, 동물성…. 그런 ‘동물적인 감각’을 요구하세요. 풀기 힘든 지시지만 배우로서 욕심이 나는 도전이죠.”(김영민) 둘은 ‘엠, 버터플라이’를 단순히 동성애 코드의 연극으로 바라보는 시선에 선을 긋는다. “가장 중요한 건 인간 본연의 모습입니다. 동양과 서양, 남성과 여성이라는 대립구조 속에서 파생되는 인간의 문제를 다루고 있죠.”(김광보) “다른 작품들보다도 ‘엠, 버터플라이’의 관객들은 저희에게 대사의 의미에 대한 질문을 많이 하세요. 관객들이 인간과 역사, 세계에 대해 공부하면서 함께 만들어가는 작품인 거죠.”(김영민) ●김영민 “김광보 연출과는 10년째 호흡… 연기의 맥 잘 짚어줘” 두 사람이 함께 작업한 세월은 올해로 10년을 맞는다. 둘은 10년 전에도, 지금도 호형호제하는 사이다. 그러나 10년 동안 연극계에서 달라진 서로의 위상을 존중하며 공적인 자리에서는 존댓말을 쓴다. “배우는 나이가 듦에 따라 연기도 변화해야 하는데, 그게 배우로서 가장 고통스러운 단계입니다. 그 단계를 잘 잡아주셨고, 앞으로도 그렇게 해주실 겁니다.”(김영민) “영민씨는 넓은 스펙트럼 안에서 또 무엇을 끄집어낼까 고민하게 만드는 배우입니다. 한 걸음 한 걸음 나아가는 것을 보면서 ‘다음엔 어떤 역할을 제안할까’ 생각하게 하죠.”(김광보) 오는 6월 7일까지 서울 종로구 두산아트센터 연강홀. 3만~6만원. (02)766-6007. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

뮤지컬계 최고의 티켓 파워를 자랑하는 두 배우가 한무대에서 만난다. 오는 6월 경기 성남아트센터에서 초연되는 뮤지컬 ‘데스노트’에서 홍광호(왼쪽)와 김준수(오른쪽)가 한무대에 서는 것이다. 대형 연예기획사의 뮤지컬 시장 진출의 시작이자 일본 뮤지컬의 한국 시장 상륙이라는 점에서도 시선이 모인다. 뮤지컬 ‘데스노트’는 동명의 일본 만화를 원작으로 한다. 2003년부터 ‘주간 소년 점프’에 연재된 ‘데스노트’는 이름이 적히면 죽는 데스노트를 우연히 손에 넣어 범죄자들을 죽이는 천재 고교생 ‘라이토’와 이에 맞서는 명탐정 ‘엘’의 치열한 두뇌 싸움을 그린 작품이다. 단행본은 1권부터 일본 만화 출판사상 최단 기간 100만부 판매를 돌파했으며 애니메이션과 게임, 영화로도 만들어졌다. 뮤지컬은 일본 굴지의 엔터테인먼트회사 호리프로가 제작했다. 일본 공연계의 거장 구리야마 다미야가 연출하고 ‘지킬 앤 하이드’ 등으로 유독 국내에서 사랑받은 작곡가 프랭크 와일드혼이 음악을 맡아 6일 일본에서 초연됐다. 라이토 역을 맡은 홍광호는 ‘지킬 앤 하이드’ ‘노트르담 드 파리’ 등의 주역이자 최근 영국 웨스트엔드에 진출해 ‘미스 사이공’의 투이 역으로 현지에서 인정받은 스타다. 홍광호는 ‘데스노트’를 통해 1년 6개월 만에 국내 무대에 복귀한다. 엘 역의 김준수는 그룹 JYJ 멤버이자 ‘모차르트!’ ‘엘리자벳’ ‘드라큘라’ 등 대극장 작품을 연이어 매진시킨 뮤지컬계의 블루칩이다. 라이토의 여자 친구 ‘미사’ 역에는 정선아, 여자 사신 ‘렘’ 역에는 박혜나가 캐스팅됐으며 데스노트를 인간계에 떨어뜨린 사신 ‘류크’는 신예 강홍석이 맡았다. 김준수가 속한 그룹 JYJ의 소속사인 씨제스엔터테인먼트는 최근 공연 제작 자회사 ‘씨제스컬쳐’를 설립했으며 이번 ‘데스노트’를 시작으로 뮤지컬 시장에 뛰어든다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

동요 ‘우리의 소원’의 작곡가 안병원씨가 지난 5일 오후 8시 40분께(현지시간) 캐나다 토론토의 한 병원에서 뇌졸중으로 별세했다. 89세. 1926년 서울에서 태어난 고인은 서울대 음대 성악과를 졸업하고 1945년 어린이 노래단체인 ‘봉선화동요회’를 창설, 동요 보급에 힘썼다. ‘우리의 소원’ 이외에도 ‘송알송알 싸리잎에 은구슬’로 시작하는 ‘구슬비’ 등 동요 300여곡도 작곡했다. ‘우리의 소원’은 1947년 극작가이자 소설 삽화가 등으로 일했던 고인의 부친 안석주씨의 노랫말에 곡을 붙인 것이다. 해방 직후에는 ‘우리의 소원은 독립, 꿈에도 소원은 독립∼’으로 불리다 1950년 한국전쟁 후 남과 북이 분단되자 노랫말을 지금의 ‘우리의 소원은 통일∼’로 바꿔 부르게 됐다. 1952년부터 경기여중·고와 경복중·고 등에서 음악 교사를 지낸 고인은 1954년 한국어린이음악사절단을 이끌고 3개월간 미국 48개주에서 순회공연을 열기도 했다. 1974년엔 캐나다 토론토로 이주해 최근까지 서울을 오가며 활동해 왔다. 장례식은 오는 9일 현지 ‘세인트 앤드루 김’ 성당에서 열린다. 장지는 토론토 참전용사 묘지다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

1998년 나가노 동계올림픽 쇼트트랙 1000m 금메달, 2002년 쇼트트랙 세계선수권대회 전 종목 우승…. 김동성(오른쪽·35)은 세계 쇼트트랙계를 호령했던 빙상의 황제였다. 그는 2002년 미국 솔트레이크시티에서 열린 동계올림픽에서 일명 ‘오노 사건’으로 전 국민의 심장을 뜨겁게 달구기도 했다. 그가 빙상장을 떠난 지도 벌써 십수 년이 흘렀지만, 한국인들의 마음속에 그는 여전히 빙상 위의 ‘전설’이다. 김동성의 어머니 유재웅(69)씨는 김동성의 초등학교 시절 “재능이 있다”는 담임선생님의 한마디를 계기로 아들을 세계적인 스케이트 선수로 만들어 낸 주인공이다. 어머니는 얼음을 지치는 아들을 밤낮없이 뒷바라지했다. 자신의 인생을 통째로 바쳐 아들을 키워 냈다. 그리고 지난 3월 눈에 넣어도 아프지 않은 손주 둘을 낳고 잘 살던 아들이 갑작스럽게 이혼을 선언했다. 가장이 된 아들이 오직 두 아이의 아버지로서, 한 여자의 남편으로서 가정을 끝까지 지켜 주기만을 바랐던 어머니의 상심은 이루 말할 수 없다. 천혜의 자연 환경과 독특한 문화를 간직하고 있는 인도네시아 발리와 롬복으로 떠난 여행길에서 모자는 그동안 꺼내지 못했던 서로의 속마음을 털어놓는다. 과연 어머니와 아들은 서로의 진심을 발견할 수 있을까. 7일 밤 10시 45분 EBS 1TV에서 방송되는 ‘리얼극장’의 ‘너는 내 작품이다-빙상 제왕 김동성과 어머니’ 편은 화려했던 빙상 전설의 가슴 아픈 이면과 전설을 키워 낸 어머니의 눈물겨운 이야기를 들려준다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

셰익스피어의 ‘리어왕’은 어긋난 가족애와 정치, 사회의 모순에 휩싸여 파멸하는 인간 본성에 관한 이야기다. 광기에 빠진 리어왕은 폭풍우가 휘몰아치는 광야를 헤매다 비참한 죽음을 맞는다. 오는 16일 서울 명동예술극장에서 막이 오르는 연극 ‘리어왕’의 무대는 바닥이 흔들린다. 무대 바닥 위에 폭 8m 정도의 무대를 올려놓고, 이를 기둥에 매달아 바닥과 분리시키면 배우들의 격한 움직임에 무대도 따라 흔들린다. ‘리어왕’의 무대 디자인을 맡은 무대미술가 이태섭씨는 “변덕이 심한 자연처럼 인간도 불안하다는 점에 착안했다”면서 “불안한 자연과 불안한 인간이라는 점이 무대 디자인의 모티프”라고 말했다. 무대 디자이너가 완성한 시안은 무대 제작소로 보내진다. ‘리어왕’의 무대는 경기도 여주의 제작소에서 보름 남짓의 제작 기간을 거쳐 오는 7일 명동예술극장에 들어간다. 2~3일 동안 극장 안에 설치해 점검하고 조명, 음향 등과 맞춰본다. 이어 9일 배우들이 무대 위에 서 보는 ‘무대밟기’를 시작으로 닷새 동안 리허설을 거쳐 16일 관객들을 맞이한다. 공연계에서는 무대 제작과 설치 과정이 빽빽하다는 점이 한계로 지적되고 있다. 극장이 작품을 직접 제작해 장기 공연하는 유럽의 극장들과 달리 국내 공연계는 대관 공연 위주로 진행된다. 때문에 작품이 바뀔 때마다 무대를 새로 제작해 설치해야 하고, 그 위에서 리허설을 할 시간이 1주일도 채 되지 않을 정도로 촉박하다. 이씨는 “무대 조건을 구현할 수 있는 연습실도 부족하고 무대를 수시로 체크하기도 어려운 환경”이라면서 “이 같은 여건에서는 뛰어난 무대 미술을 완성하는 데 제약이 많다”고 말했다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr

지난주 막을 내린 국립창극단의 ‘코카서스의 백묵원’은 극장 측이 해오름극장의 1500여 객석을 가림막으로 차단했다. 대신 무대 위에 600여석의 가설 객석을 설치하고 그 가운데에 2층 구조의 새 무대를 세웠다. 해오름극장의 원래 무대보다 훨씬 좁아진 가설무대는 오히려 더 입체적인 공간감을 구현했다. 배우들은 객석 사이에 마련된 통로와 오케스트라가 위치한 2층까지 누볐다. 무대 바닥은 리프트처럼 솟아났고 천장에서 다리가 내려와 1층과 2층을 연결하기도 했다. 배우와 관객의 교감은 극대화됐다. 배우들은 관객들의 코앞에서 연기하며 눈을 마주쳤고, 마치 마당놀이처럼 관객들은 배우들과 어우러졌다. 이태섭 무대미술가는 “기존 해오름극장은 객석과 무대의 거리가 멀어 에너지가 한 방향으로 흐른다”면서 “객석과 무대의 경계를 허물어 배우와 관객이 긴밀해지는 무대를 제안했다”고 설명했다. 이처럼 무대 디자인은 공연의 감동을 배가시키는 ‘마지막 한 수’다. 작품의 주제와 정서, 메시지를 정교하게 주조해 내며 독자적인 미학까지 갖춘 공연의 또 다른 주인공이다. 공연 시장이 성장하고 좋은 작품이 늘어감에 따라 무대 디자인 또한 주목받고, 무대미술가들의 역할도 강조되고 있다. ●흉내내기 아닌 사회를 읽고 표현하는 시인이자 화가, 건축가 희곡이 물이라면 무대 디자인은 물을 담아 내는 그릇이다. “공연의 성격과 스타일을 관객들이 가늠하게 하는 신호”(이태섭 무대미술가), “공연을 지금 여기에 어떻게 전달할지를 판단, 해석, 표현하는 것”(박동우 무대미술가)이 바로 무대 디자인이다. 박동우 무대미술가는 “무대 디자인은 극을 담아 내는 설정 그 자체”라면서 “셰익스피어의 ‘햄릿’이라도 덴마크의 엘시노어 궁을 그대로 고증할 때와, 현대 한국의 어딘가를 무대로 설정할 때 관객들에게 전혀 다른 의미로 다가간다”고 말했다. 지난해 11월 LG아트센터에서 공연된 연극 ‘사회의 기둥들’은 헨리크 입센의 137년 전 희곡이 2014년 대한민국과 만나는 접점을 무대 디자인이 연결한 사례다. 희곡은 배 한 척의 침몰과 함께 무너져간 1800년대 후반 노르웨이의 소도시 이야기다. 박 무대미술가는 당시의 노르웨이 풍경을 재현하는 대신 무대 전체를 점점 왼쪽으로 기울어져 가는 선실로 설계했다. 국내 관객들에게 생소했던 희곡은 무대의 설정 하나로 놀라운 기시감을 안겨줬다. 고증이 수반되는 경우도 많지만 의미 없는 흉내내기는 지양한다. 뮤지컬 ‘영웅’은 안중근 의사가 수감됐던 뤼순 감옥을 고증한 회색 벽돌이 무대 전체를 뒤덮는다. 당시 한민족을 가뒀던 시련의 벽을 의미한다. 박 무대미술가는 “오늘날의 사회와 관객들을 이해하고 그에 맞춰 텍스트를 표현할 방법을 찾는 것이 무대미술가의 역할”이라면서 “텍스트를 무대 위의 공간으로 세우는 시인이자 화가, 건축가”라고 말했다. ●티켓값 하는 볼거리? 화려함 넘어 새로운 시도 받아들여야 공연의 고수들은 무대 디자인에서 숨은 1㎝를 발견한다. 2012년 초연된 연극 ‘엠 버터플라이’는 거대한 새장이 세워진 무대로 주인공 르네 갈리마르가 만들어 낸 환상의 세계를 시각화했다. 마니아 관객들 사이에서는 새장의 의미에 대한 다양한 해석이 쏟아졌다. 정승호, 오필영, 서숙진, 여신동 등 무대미술가들의 존재감도 커지고 있다. 조수곤 연극열전 차장은 “요즘은 무대미술가들의 이름과 대표작도 중요한 홍보 포인트”라고 귀띔했다. 아직까지 뮤지컬, 특히 고가(高價)의 대극장 뮤지컬에서는 화려한 무대가 티켓값을 아깝지 않게 하는 볼거리라는 인식이 강하다. 회전무대와 샹들리에 등 화려한 세트와 첨단 장비가 없는 경우 아쉬움을 표하는 관객들도 있다.그러나 이를 극복하려는 시도도 꾸준히 이뤄지고 있다. 뮤지컬 ‘원스’는 1000석 규모의 대극장에서 공연됐지만 무대는 허름한 선술집을 옮겨 놓은 세트 하나뿐이었다. 배우들의 움직임과 조명만으로 하나의 세트에서 다양한 공간을 구현하는 독특한 미학으로 호평받았다. 정승호 무대미술가는 “세계적으로도 무대미술은 (화려함을 넘어) 미니멀리즘 등 새로운 미학을 추구하고 있다”면서 “관객들이 익숙하지 않은 것도 열린 마음으로 받아들인다면 무대미술가들도 더욱 다양한 시도를 할 수 있을 것”이라고 말했다. 김소라 기자 sora@seoul.co.kr