흰벽에 마구 쓴 낙서 같기도 하고, 돌 지난 갓난아기의 막그림 같기도 한 그림. 추상미술을 대표하는 이종학(80)화백의 시계는 거꾸로 돌아가는지, 언뜻 그의 작품 세계를 보면 유아풍이다. 과거의 묵직한 추상 세계와 비교하면 너무나 단조롭다. 구도와 구성, 심지어는 색채까지 무시한, 희미한 검은 색조는 문자, 선으로 표현될 뿐 더 이상은 없다. ‘추상적 정경´ 이라는 작품에는 바람부는 날이라는 휘갈겨 쓴 글자가 화면 한 구석을 차지하고 있고, 작업한 날짜인 듯한 2005년이라는 숫자도 보인다. 이런 글자와 숫자, 어지러운 선들을 그는 또다시 커다란 두개의 사과모양속에 가둬 놓았다. 화면의 간결함은 넓어진 여백 때문에 더욱 돋보인다. 그에게 자연은 어떤 화려한 수식도 필요없는 단순·소박 그 자체로 표현된다. 단순한 선의 난무(亂舞)속에서 예술도 수행인지라 무심의 예술적 경지에 오른 작가의 힘이 느껴진다. 세계성을 지향하면서도 전통을 추구, 소담하면서도 선명한 한국적 이미지가 드러나는 그의 작품 세계를 두고 미술평론가 이경성씨는 “백자사발에 맑은 물을 담은 것 같다.”는 찬사를 보냈다. 서정적 추상이라는 독특한 경지를 구현한 이 화백은 팔순의 나이도 잊고 변화를 모색하고 있다. 그는 화단에서는 드물게 청마 유치환 선생의 추천으로 문예지에 시인으로 등단한 시인으로, 시(詩) 서(書) 화(畵)에도 두루 능하다. 30일까지 서울신문사 1층 서울갤러리. (02)2000-9736.최광숙기자 bori@seoul.co.kr

쇳가루가 캔버스 위에서 펼쳐내는 독특한 예술세계. 물과 섞이면 녹슬게 되는, 아무짝에도 소용 없는 쇳가루가 산화하는 특성이 오히려 작품속에서는 변화의 묘미를 준다. 추상미술을 하면서도 평생 우리의 미를 탐구해 온 윤명로(69)화백. 그의 40년 화업 인생을 그대로 볼 수 있는 전시회가 오는 7∼30일 서울 평창동 가나아트갤러리에서 열린다. 도심을 벗어나 꼬불꼬불 경사진 길을 돌고 돌아, 평창동 윤 화백의 자택이자 작업실을 찾았다. 북한산 형제봉 자락에 자리 잡은 자택에는 윤 화백의 숨결이 고스란히 느껴진다. 집 안 실내정원에는 150년된 소나무가 하늘을 쭉 뻗어 있고, 오죽이 푸르게 살아 있다. 윤 화백과 함께 마당에 놓여진 검은 고무신을 신고 지하 1층 작업실로 향했다. 벽에 포개져 윤 화백의 손길을 기다리는 수많은 캔버스, 앉은뱅이 의자, 화구등이 흩어져 있는 화실에서 ‘강의’가 시작됐다. 교수출신 답게 질문도 없었건만 그는 이번 전시회의 주제를 ‘숨결 Anima’라고 정한 이유부터 대화를 풀어 나갔다.“호흡·숨결을 뜻하는 Anima는 영혼이라는 의미도 담고 있어요. 삶의 숨결도 중요하지만 바람이 대지를 고 간 자연의 숨결도 중요하지요.” 그는 오랜 가뭄에 논바닥이 갈라진 것 같은 ‘균열 시리즈’에서 창호지에 어른거리는 대나무 잎 같은 ‘얼레짓’시리즈를 내는 등 10년 단위로 새로운 예술세계를 선보일 정도로 예술에 대한 고민과 열정이 대단하다. 특히 쇳가루를 이용, 작업을 시작한 2000년이후 ‘겸재예찬’시리즈는 ‘동양화같은 서양화’라는 평가를 받으며 한국 미술계에 전통의 재해석과 현대화라는 과제를 던져 주기도 했다. 조선시대 중국의 화풍에서 벗어나 우리나라의 산천을 독자적 화법으로 그린 겸재 정선의 진경산수 화풍이 그의 작품 속에서도 나타난다.“저는 세잔과 겸재 사이에서 그림을 그리고 있어요.”라는 그의 말속에서 현대미술을 하면서도 끊임없이 우리의 색채와 멋을 예술로 승화시키려는 그의 부단한 노력이 엿보인다. 그는 자신의 작품을 ‘덧칠을 하지 않고 한 호흡에 그린 무작위한 것’이라고 표현했다. 하지만 그의 무작위가 빚어내는 표현의 일회성은 “충분한 묵상과 사고를 거친 뒤에 나온 자유와 같다.”고 했다. 그는 최근 김창열, 백남준등 한국 현대미술을 이끈 49명에 대한 이야기를 담은 ‘모더니스트들의 도전과 환상’이라는 책을 펴냈다.(02)720-1020. 최광숙기자 bori@seoul.co.kr

국내의 대표적인 상업화랑인 갤러리 현대가 올해로 개관 35주년을 맞았다. 이를 기념해 갤러리 현대는 6일부터 5월 10일까지 1부와 2부로 나눠 기념전을 개최한다. 1부(6∼24일)에는 김환기, 유영국, 이응노, 남관, 백남준, 존배 등 한국작가와 파블로 피카소, 마크 로스코, 장 아르프, 조르주 브라크, 장 뒤뷔페, 로이 리히텐슈타인, 게르하르트 리히터, 알베르토 자코메티, 프랭크 스텔라 등 외국작가의 대표작들이 출품된다. 큐비즘, 초현실주의, 추상표현주의, 앵포르멜, 팝아트 등 다양한 사조의 작품들을 만날 수 있다.2부(26일∼5월10일)에는 박수근, 이중섭, 김기창, 장욱진, 오지호, 도상봉, 최영림, 박고석, 변종하, 임직순, 윤중식, 황염수, 이대원, 김흥수, 권옥연, 문학진, 천경자, 서세옥, 윤형근, 김창열, 박서보, 정상화, 이우환, 김종학의 작품이 나온다.1부가 추상미술을 중심으로 한 것이라면 2부는 한국현대미술의 현주소를 폭넓게 점검해보는 자리다. 출품자 모두 갤러리 현대와 인연이 깊은 작가들로 이번 전시를 위해 외국 유명화랑에서도 10여 점을 빌려왔다. 갤러리 현대의 역사는 곧 한국 화랑의 역사다.1970년 서울 관훈동에 ‘현대화랑’이라는 이름으로 문을 연 갤러리 현대는 개관 5년 만인 1975년 사간동으로 이전했으며,1995년 지금의 자리로 증축해 옮겨 오늘에 이르고 있다.2002년에는 관훈동에 두아트갤러리를, 지난해 11월에는 갤러리 현대 뒤에 두가헌갤러리를 열었다. 갤러리 현대가 개최한 숱한 전람회 중 이중섭전(1972년)과 이듬해의 천경자전은 관람객이 수백m씩 늘어서 인사동 일대가 북적거렸을 정도로 인기를 끌었다. 이응노전을 열 때는 문자추상 작품인 ‘구상’에 조선노동당이라는 글자가 들어 있다는 이유로 작품이 철거당하는 고초를 겪기도 했다. 한국 현대미술사의 산증인인 갤러리 현대 박명자(62) 대표는 “최선을 다해 좋은 작품을 걸어놓으면 사람들이 보고 즐기면서 훌륭한 작품 봤다고 말해줄 때가 가장 행복했다.”면서 “화상의 기본은 첫째도 신용, 둘째도 신용”이라고 말했다. 박 대표는 이중섭의 ‘파란 게와 어린이’, 박수근의 ‘굴비’ 등을 서귀포 이중섭미술관과 강원도 양구 박수근미술관에 각각 기증하는 등 한국의 미술품 기증문화를 진작시키는 데도 앞장서고 있다.(02)734-6111∼3. 김종면기자 jmkim@seoul.co.kr

서울 구기동 옛 서울미술관 건물을 새롭게 단장해 27일 문을 연 미술관 미아(MIA·관장 오상길)가 개관 기념으로 ‘고난 속에서 피어난 추상’전(9월 5일까지)을 마련했다. 단체전으로 김경 김구림 김서봉 김창렬 김환기 유경채 유영국 윤명로 이세득 이응로 전혁림 등의 1960년대 중반 이전 작품들이 선보인다.또 정문규(8월8일까지),황용엽(8월10일∼22일),전성우(8월24일∼9월5일) 세 작가의 개인전이 전시기간 중에 2주씩 교대로 열린다. 이들 세 작가는 그동안 그룹운동보다는 개인 활동에 치중해온 까닭에 집단운동사를 중심으로 한 미술계 주류의 흐름에서 소외돼 온 측면이 없지 않다.이 특별전은 작가의 역량에 비해 그 미학적 성취에 대한 평가가 소홀했던 작가들을 본격적으로 조명하는 자리란 점에서 의의가 있다. 이번 전시는 작가이기도 한 오상길 관장 등이 지난 6년간 추진해온 한국미술의 현대화 과정을 다룬 ‘한국현대미술 다시 읽기’ 작업을 토대로 한 것.그 구체적인 내용은 ‘추상미술 유입기의 비평적 재조명’이란 1600여쪽 분량의 방대한 자료집으로 펴낼 예정이다. 8월말 경 나올 자료집에는 ‘추상과 한국의 현대미술-메타비평을 위한 질문들’(오상길)·‘한국현대미술에 있어 서구미술의 수용과 그 변용’(김찬동)·‘벽전에 대한 소고:한국 앵포르멜의 전개 과정에 대한 의문’(김미경) 등의 논문과 일간지 주요 미술기사,전시자료 등이 실려 미술연구자들에게도 도움이 될 것으로 보인다.02)379-1767. 김종면기자 jmkim@seoul.co.kr

｜파리 함혜리특파원｜지난 30여년간 물방울을 화두 삼아 도 닦듯이 회화 작업을 해 온 ‘물방울 화가’ 김창열(金昌烈·사진·75) 화백의 작품세계를 한눈에 보여주는 회고전이 13일부터 3월7일까지 약 두달간 프랑스 국립 주드폼미술관에 열린다. 물방울이라는 하찮은 소재를 통해 우리에게 새로운 미적 체험을 제공해온 그는 “선배들도 많은데 먼저 미술관 전시회를 갖게 돼 송구스럽다.”면서도 “고생한 보람을 느낀다.”고 말했다.파리에서 처음 갖는 미술관 전시회에 대한 기대감이 엿보인다. 주드폼미술관은 세계적으로 인정받고 있는 대가들의 작품을 전시해 온 현대 미술관.19세기 중엽 건립된 미술관으로 오랑주리 미술관과 함께 1954년부터 오르세 미술관 개관(1986년) 이전까지 인상파 화가들의 작품을 전시하던 유서깊은 곳이다.한국 작가로는 이우환씨가 97년 처음 초대전을 가졌고 조덕현씨가 아시아 작가 그룹의 한 명으로 이 미술관 앞뜰에서 설치작품을 선보인 바 있다.김 화백의 회고전은 올 봄부터 사진 전문 미술관으로 모습을 바꾸기에 앞서이곳에서 열리는 마지막 전시회다. 그는 미술관 전시가 갖는 의미에 대해 “한 작가의 작품세계가 미술사에 기록된다는 의미가 아닐까요.작품이 공인된 가치를 갖게 되는 것이라고 할 수 있겠지요.”라고 말한다. 물방울의 생성과 소멸 사이의 한 순간을 포착해 캔버스 위에,모래판에,나무판자 위에,천자문 위에 극사실 기법으로 표현하고 있는 그의 물방울 시리즈 작품들은 ‘우리의 존재 방식에 대해 우리 스스로를 규정하도록 요구하는 내면성의 그림’이라는 찬사와 함께 동서양을 초월한 보편적인 시각언어라는 평가를 받고 있다. 전시회에는 60년대 초 미국에서 작업한 앵포르멜 경향의 추상미술 작품 ‘제사’부터 파리에 건너온 초기의 스프레이 작업,화면 바탕에 천자문을 써 넣은 ‘회귀’,최근의 ‘황토’까지 30여년간 작업 중 대표적인 작품들이 소개된다.총 34점의 그림과 함께 지름 20㎝의 물방울 모양 수정작품 ‘명상’도 전시된다. 그는 ‘미련하리만치’ 오랜 세월 동안 물방울에만 천착하는 이유에 대해 “1969년 말 어느 아침에 캔버스 뒷면에 영롱하게 맺혀 있는 물방울을 발견했습니다.바람이라도 불면 후두둑 떨어져 버리는 덧없는 운명 앞에서도 아침 햇빛을 받아 찬란하게 빛나는 순수한 물방울의 아름다움은 충격적이었지요.그 아름다움을 전달하기 위해 지금까지 씨름하고 있습니다.”라고 말했다. 지금껏 물방울과 씨름하며 묵묵히 살아온 그는 또다시 물방울을 그리기 위해 붓을 잡았다. lotus@

‘모빌(Mobile)’이란 이름은 우리에게 낯설지 않다.어린 시절 누구나 한번쯤 만들어 본 경험이 있고 요즘은 상품화돼 있기까지 하다.가느다란 철사나 끈으로 연결,기류의 움직임에 따라 하나가 흔들리면 다른 것들도 연달아 흔들리게 만든 조각이 바로 모빌이다.이 모빌은 원래 미국의 조각가이자 화가인 알렉산더 칼더(1898∼1976)가 1930년대부터 제작한 ‘움직이는 조각’을 가리키는 말이다. 칼더는 미국 펜실베이니아 근교 론턴에서 조각가인 아버지와 화가인 어머니 사이에서 태어났다.대학에서 기계공학을 전공했지만 1923년 뉴욕의 미술학교인 아트 스튜던츠 리그에 들어가 미국 화가 조지 룩스와 존 슬론의 지도를 받았다.칼더가 기계공학과 물리학의 지식을 예술에 적용해 만든 움직이는 조각은 1931년 칼더의 스튜디오를 방문한 마르셀 뒤샹에 의해 ‘모빌’로 명명됐다.그리고 같은 해에 조각가 장 아르프는 이 ‘모빌’과 대비를 이루는 칼더의 움직이지 않는 조각에 ‘스테이빌(Stabile,정지된 조각)’이란 이름을 붙여줬다. 서울 소격동 국제갤러리에서 열리고 있는 ‘알렉산더 칼더’전(내년 2월7일까지)은 희극적이면서도 환상적인 칼더 조각예술의 진수를 보여준다.특히 이번 전시에서는 칼더의 작업에서 가장 창의적인 시기로 꼽히는 30,40년대 모빌 작품과 함께 50년대 이후의 다양한 실험조각들도 소개돼 의미를 더한다.대표작 ‘무제’(1938년)를 포함해 29점의 모빌과 스테이빌,7점의 드로잉이 나와 있다. 칼더는 색채를 3원색과 흑백으로 제한하고 기하학적 형태의 상호균형을 추구하는 네덜란드 화가 몬드리안의 화면에 큰 감명을 받았다.1932년 뒤샹에게 보낸 편지에서 칼더는 “몬드리안의 그림을 움직이게 하는 것”이 자신의 바람이라고 밝히기도 했다.이것은 칼더가 기하학적 형태를 활용하는 추상미술로 전환하면서 작품에 ‘움직임’을 도입하는 계기가 됐다. 칼더는 초기 작품에는 모터를 사용했지만 1934년부터는 동력을 쓰지 않는 모빌을 만들었다.자체의 중력에 따라 아주 미미한 대기의 흐름에도 흔들리게 했고 움직임에 의해 생기는 다양한 빛의 효과를 활용한 것이다.칼더는 이런 작품들을‘4차원의 드로잉’이라 불렀다. 칼더는 움직임을 주된 요소로 하는 키네틱 아트의 선구자로 기록된다.뒤샹이나 러시아계 미국 조각가 나움 가보 등이 이끈 키네틱 아트의 개념을 구체화한 것이 칼더의 ‘모빌’이다.그러나 칼더 이후의 많은 키네틱 예술가들이 세심하게 계산된 움직임을 실현시키고자 한데 비해 칼더는 자연에 근거한 우연성과 즉흥성을 강조했다는 점에서 다른 작가들과 구분된다. 칼더는 기계와 산업적인 재료에 매료됐지만 작품을 만드는 데 있어 결코 자연과 인간적인 요소를 소홀히 하지 않았다. 그의 작품이 늘 살아있는 생명체로 우리에게 다가오는 것은 바로 그런 연유에서다.(02)735-8449. 김종면기자 jmkim@

한국 모더니즘 제1세대 작가이자 추상미술의 선구자인 고 유영국 화백 1주기전이 5일부터 23일까지 서울 사간동 갤러리현대에서 열린다. 유영국미술문화재단(이사장 윤명로)과 갤러리현대가 공동 주최하는 이 전시에는 그의 마지막 작품인 ‘WORK’(1999년)와 미공개작 10점을 포함해 모두 40여점이 나온다.전시작은 도쿄 체류기인 1937∼1942년의 초기 작품들과 1985∼1999년의 후기 작품들로 구성됐다.작가가 생존할 당시 재제작한 초기 추상릴리프 작품들과,작가의 고증에 따라 공예가인 장녀 유리지(서울대 미대) 교수가 다시 만든 릴리프 작품들도 전시될 예정이어서 관심을 모은다. 1916년 강원도(현 경상북도) 울진에서 태어난 유영국은 1935년 자유로운 학풍의 도쿄문화학원 서양화과에 입학하면서 추상작업을 시작한 이래 2002년 86세로 타계할 때까지 추상회화의 외길을 걸었다.자연을 바탕으로 추상작업을 벌인 만큼 그의 화면에는 산,바다,나무 등 자연풍경의 흔적이 강하게 남아 있다.특히 산은 그의 그림의 뿌리다.특히 60년대 말부터는 산이라는 특정한 모티프가 화면에 두드러지게 등장한다.그는 자신의 작품에 대해 스스로 이렇게 말했다.“나의 그림의 대상은 자연이다.그것은 선과 면과 색채들로 구성된 비구상적인 형태로서의 자연이다.” 유영국은 도쿄 오리엔탈사진학교를 졸업할 만큼 사진에도 조예가 깊었다.이번 전시에 소개되는 사진들은 모두 경주 남산의 문화유적들을 담은 것이다.라이카라는 소형 카메라를 사용해 찍은 이 작품들은 대부분 주제 그 자체만을 시각화했을 뿐 군더더기가 없는 것이 특징이다.심지어 배경도 생략한 채 선택된 피사체만을 드러낸다.유영국에게 사진은 어떤 의미를 지닐까.최인진 한국사진사연구소장은 “유영국은 결코 사진을 찍어 그것을 이용해 그림을 그리지는 않았지만,자연을 선과 면과 색채로 구성된 비구상적인 형태로 관찰할 수 있게 해준 유력한 도구였다.”고 지적한다.(02)734-6111. 김종면기자 jmkim@

필립 샌드블롬 지음 / 박승숙 옮김 아트북스 펴냄 질병과 고통이 예술가들의 삶과 작품에 끼친 영향을 탐색.순수 추상미술의 개척자인 몬드리안은 강박적인 정리정돈벽에 시달렸다.꼼꼼하고 세심한 성격은 그대로 그의 미술에 투영됐다.절대적으로 순수한 색에 대한 그의 집착은 원초적 삼원색(빨강,노랑,파랑)으로 환원됐고,수직선과 수평선이 그의 무의식적인 계획에 따라 캔버스에서 미묘하게 분할됐다.비발디는 사제서품을 받고 신부가 됐지만 천식으로 인한 기침 때문에 미사를 주관할 수 없어 성가대를 지휘하게 됐고,그 뒤 교회음악을 작곡하는 임무를 맡게 되면서 위대한 음악가로 탄생한 경우다.1만 2000원.

한국 추상미술의 선구적 개척자인 유영국(86) 화백의 회고전이 30일부터 10월 6일까지 서울 평창동 가나아트센터에서 열린다.‘유영국,한국 추상미술의 기원과 정점’이라는 제목으로 마련된 전시에는 유씨가 제작한 추상작품 60여점이 소개될 예정이어서 유 화백의 초기 조형관은 물론 한국추상미술의 시원을 살펴볼 수 있는 기회로 관심을 모으고 있다.한국 추상화의 기원을 밝힌다는 의미에서 유씨의 초기 작품에 초점을 맞췄다. 전시작품 가운데 1938년 발표된 ‘습작’ 등 릴리프(부조) 복원작품 3점이눈길을 끈다.광복 이전(1930∼40년대)의 작품으로 소실됐던 17점도 사진 등을 통해 공개하며 미공개작 ‘새’(1958년작)도 출품될 예정이다. 일본 도쿄문화학원에서 유화를 공부한 유 화백은 1937년 일본추상미술운동단체인 독립미술가협회 전시에 첫 작품을 낸 이후 마지막 작품을 내놓은 2000년까지 60여년간 오로지 추상화에만 천착해왔다.“술을 마신 뒤나 밤에는절대 그림을 안 그린다.”는 말처럼 자신에 늘 엄격했다.전시는 유씨의 작품세계를 시기별로크게 세 파트로 나눴다.제1전시장은 1930∼50년대까지의 절대추상 작품으로 구성됐다.제2전시장에는 두꺼운 마티에르와 화려한 색채를사용한 1950∼60년대의 표현주의적 추상작품이 전시되며 제3전시장은 면으로 구성된 기하추상 작품 위주의 후기작업을 보여준다.9월14일 오후 2시에는‘유영국,한국 추상미술 해석의 쟁점’을 주제로 세미나도 열릴 예정이다.(02)720-1020. 문소영기자 symun@

“나는 평생을 하루 평균 14시간 이상 작업해왔습니다.곁눈질하지 않고 바보처럼 외길을 말입니다.그렇게 50여년간 쌓은 작업 시간들이 나를 지탱해낼 수 있었던 것 같습니다.” 한국 추상미술을 이끈 박서보(71)가 지난 67년부터 2001년까지 34년간 제작해온 ‘描法’ 시리즈 작품들을 모아전시회를 연다.20일부터 4월7일까지,갤러리 현대. 그가 작업해온 ‘묘법’(그리는 법) 시리즈 작품들을 보면 한지위에 세로로 검은 줄이 일정한 간격으로 그어진 것들이 많다.처음 보는 사람들은 “이게 뭘까.”라는 생각에 사로잡힐 수도 있을 것이다. 그는 “나는 왜 그림을 그리는가.”하고 자문(自問)하고나서는 “수신(修身)을 위해 그린다.”고 자답(自答)한다. “나에게 있어 그림은 수신을 위한 수단이며 도구에 불과하다.그러나 그 도구는 단순한 도구가 아니라 수신의 결정체일 수도 있다.”는 말도 덧붙였다. “변화하지 않으면 추락합니다.피카소는 평생 변화했습니다.나도 평생 변화했습니다.변화를 할 때마다 남몰래 4,5년을 준비했습니다.”검은 색과 흰색 위주였던 이전 작품들에서 벗어난 붉은색 작품이 이번 전시회에 여러 점 나오는 것도 변화의 결과이다. 그는 1956년 당시 국전이 일본의 해묵은 미술양식을 답습하고 있다며 ‘반국전 선언’을 발표했고 ‘물방울 작가’ 김창렬과 함께 현대미술의 기원을 연 ‘앵포르멜’(비정형 회화) 운동을 주도했다.유신시절인 1970년대 초 정부의 문화정책을 비판하는 발언을 했다가 서울 남산 중앙정보부에 끌려가기도 했다. 1966년 홍익대 교단을 떠나 1970년 복직할 때까지 4년간동양 사상에 흠뻑 젖어 들었고 이후 작품 제작의 탄탄한사상적 기반이 됐다.4월부터 10월까지 서울 박여숙화랑,미국 로스앤젤레스,서울 갤러리세줄,대구 시공갤러리에서도차례로 개인전을 갖는다.(02)734-6111. 유상덕기자 youni@

문화관광부는 우리나라 모더니즘의 제1세대로 한국적 정서를 양식화한 서양화가 김환기(金煥基·1913∼1974) 선생을 2월의 문화인물로 선정했다. 전남 신안 출신의 김환기 선생은 도쿄 유학시절 입체파 등의 영향을 거쳐 추상미술에 도달했으며 해방 후에는 추상적바탕에 자연적 이미지를 굴절시킨 독특한 화풍을 선보였다. 이 시기에 달,산,항아리,학,매화 등 고유한 정서를 담은 소재를 많이 다뤘다. 1963년 뉴욕에 정착한 뒤에는 자연적 소재 대신 선,점,면들로 구성된 순수한 추상의 세계를 추구했다. 문화인물 선정을 기념해 신안의 김환기 선생 생가 일원에서1∼28일 작품전시회가 열리며,6일 신안의 안좌초교 강당에서는 기념식과 축하공연이 마련된다.27일∼3월31일 서울 부암동 환기미술관에서는 ‘김환기 50년대 드로잉·수채화’전이 열린다.(02)391-7701. 임창용기자

정년퇴임을 맞는 경기대 서양화과 하영식 교수가 22일부터 31일까지 서울 종로구 관훈동 가람 화랑에서 작품전을 연다. 회화의 단순화된 구도와 매끄러운 색감은 사물을 관조할 수 있는 노련한 작가의 시선을 느끼게 한다.서양화이지만 곳곳에 한국 고유의 문자와 장식이 단아하게 배어 있다. 여러번 덧칠한 색은 우아하면서도 촉각적인 느낌을 살리고있다.오랜 세월 속에서 단단해진 하영식의 추상미술은 한국 미술계의 선구자격 분위기를 여실히 전한다. 이번 전시회는 그의 40년에 걸친 작품세계를 한 눈에 감상할 수 있는 기회이다.(02)732-6170이송하기자 kimus@

가나아트센터는 26일까지 서울 인사동 인사아트센터(736-1020),평창동의 가나아트센터와 포럼스페이스(720-1020)에서 ‘여름방학 특별기획전 Work 2001’을 연다. 인사아트센터에서는 ‘인사동 생태환경 프로젝트’라는 주제로 자연 체험을 통해 환경의 의미를 재발견할 수 있는 설치미술 작품을 전시한다.제1전시장에서는 곤충의 생태를 체험하며 학습할 수 있는 ‘파브르 되어보기’(박훈,13일까지)와 자연환경이 제공하는 편의와 안락을 다시 생각해보는‘깊은 산속 옹달샘 누가 와서 먹나요’(강효명,15∼26일)가 마련된다. 가나아트센터는 20세기 국내외 현대미술의 조류를 한눈에살펴볼 수 있는 ‘The Contemporary전’(26일까지) 공간으로 쓰인다. 1970년대 한국 작가들이 표현양식을 치열하게 고민하던 과정에서 나온 극사실주의와 모노크롬(제1전시장),프랑스에서 태동한 추상미술의 흐름인 앵포르멜(격정과 주관을 특징으로 하는 추상회화)과 현대추상(제2전시장),그리고 해외의추상미술과 팝아트(제3전시장)등을 만날 수 있다. 가나포럼스페이스에서는예술과 다른 매체의 만남을 시도한 ‘인터미디어 아트 북&웹’전(26일까지)이 열린다. 유상덕기자

피에 몬드리안,알렉산더 칼더,빅토르 바자렐리,장 아르프,엘즈워스 켈리,라파엘 소토,로버트 인디애너,도널드 저드….현대 추상미술을 주도해온 작가들의 대표작 80여점이국내에 선보인다.갤러리현대와 조선일보미술관은 27일부터8월 15일까지 ‘20세기 추상미술의 빛과 움직임’전을 분산 개최,세계 추상미술의 흐름을 조망한다. 출품작가는 ‘20세기 추상미술의 전도사’로 불리는 프랑스의 화상 드니즈 르네(88)가 선정한 50여명.이들은 르네가 프랑스 파리에 있는 자신의 화랑 드니즈 르네 갤러리에서 지난 60여년 동안 소개해온 작가다. 유태인 상인의 딸로 태어난 르네는 1944년 파리에 드니즈르네 갤러리를 연뒤 기하학적 추상,키네틱 아트,추상표현주의,미니멀 아트,앵포르멜 등 20세기 추상미술 사조를 집중 소개해온 인물.1955년에는 ‘움직임’전을 열어 ‘키네틱 아트’라는 새 미술사조를 낳게한 산파역을 맡았다.칼더의 모빌,탱글리의 모터작품 등으로 미술작품은 한 자리에 고정돼 있어야 한다는 통념을 깨뜨린 것이다. 이번 서울전은 그가 지난해부터 개최해온 순회전의 하나다. 르네는 지난해 7월 쓰쿠바 미술관, 게니치로 이노쿠마현대미술관, 우라와 미술관 등 일본전을 시작으로 프랑스퐁피두센터 국립현대미술관, 일본 히메지 시립미술관 등에서 전시를 열어왔다. 서울전에는 일본전과 프랑스전에 나온 작품 대부분이 출품된다.1920년 신조형주의를 제창한 몬드리안과 키네틱 아트의 선구자 칼더,기하학적 단색패널 작가 켈리 등이 특히눈여겨 볼 만한 작가다. 한편 르네의 성장과정과 인간관계,화랑경영 등을 담은 단행본 ‘드니즈 르네와의 대화’(시공사)가 전시에 맞춰 번역,출간돼 관심을 모은다. 이 책은 르네가 프랑스 레종 도뇌르 국가공로훈장을 받는 등 문화권력으로 추앙받게 된배경을 ‘아트 프레스’지 편집장인 카트린 미이예와의 대담 형식으로 들려준다.전시입장료는 어른 5,000원,학생 3,000원. 김종면기자 jmkim@

화가의 드로잉을 보는 것은 문인의 육필원고를 읽는 것과같다. 그리는 이의 정체성을 확연하게 드러내는,가장 숨김없는 표현이 바로 드로잉이다.그러나 드로잉이 제대로 대접받기 시작한 것은 근래에 들어서다.데생 혹은 소묘로 불리는 드로잉은 밑그림 정도로 인식되면서 예술적 가치가외면당해왔다.드로잉은 서양에선 15세기부터 본격적으로발달했지만 국내에선 20세기 중반 추상미술이 득세하면서독자적인 미학의 예술형식으로 홀로 섰다. 국립현대미술관 덕수궁 분관에서 열리고 있는 ‘손의 유희-원로작가 드로잉’전(6월10일까지)은 작가의 예술정신과 의도가 집약된 드로잉의 세계를 속속들이 보여준다. 지난해 열린 ‘선과 여백-작고작가 드로잉’전의 연장이다.‘선과 여백…’전이 20세기 초부터 1960년대까지 선묘중심의 아카데믹한 화풍을 보여 줬다면 이번 전시는 50년대 이후 현대적 의미의 드로잉 세계를 다룬다.참여작가는강환섭 박고석 손동진 이대원 전혁림 최경한 홍종명 황유엽(이상 유화),이준 배동신(수채화),민경갑 박노수 서세옥천경자(이상수묵화),전뢰진 최종태(조각)등 20여명. 출품작은 대부분 일반에 처음 공개되는 것들로,드로잉의현대적 개념이 본격 도입된 이후의 작품들이다.(02)779-5310. 김종면기자

“요즘 많은 작가들은 자기를 보이지 않고 자꾸 숨기려고만 합니다. 기본적인 데생 실력도 갖추지 못한 검증안된 작가들이 ‘추상’이라는 이름으로 그림아닌 그림을 쏟아내고 있어요.이런 ‘만행’이 통용되는 데는 일부 평론가들도 일조하고 있습니다.추상그림에 대해 본질을 짚어주지 못하고 변죽만 울리거나 옥석을 가리지 않은 채 적당히덮어가려는 풍조가 만연돼 있지요” 중견화가 아산(亞山) 한풍렬 교수(58·경희대 예술학부)는 예술의 다양성은 인정해야겠지만 겉멋만 든 ‘멋대로 추상’은 비난받아 마땅하다고 강조한다.그 자신 수십년동안 추상과 구상의 실험을 거듭했고,한때는 추상미술의 아름다움에도 심취했지만 지금은 추상과 일정한거리를 두고 있다. 그래서인지 9일부터 22일까지 서울 인사동 선화랑(02-734-0458)에서열리는 그의 개인전은 다분히 구상적인 작품들로 꾸며졌다. 출품작은 ‘부다페스트’‘암스테르담’‘뉴욕 뒷골목’‘비엔나의 옛 이야기’‘프라하의 노을’‘로마의 휴일’등 외국여행에서 그린 것이 대부분.‘서울 시정’등국내풍경도 몇 점 나온다.세월에 풍화돼 퇴락한듯 보이는 고풍스런 건물들이 우수를 자아내는 그림들이다. 한씨에게 추상과 구상은 별개의 것이 아니다.한국화와 서양화를 구분하는 것 또한 탐탁찮게 생각한다.그는 대학에서 서양화를 전공했지만 대학원에서는 한국화를 택했다.장르의 한계를 극복하기 위해서였다.한국화에서는 기름에 풀어 채색하는 대신 물을 매재로 작업해 훨씬 자연스럽고 변질도 되지 않는 장점이 있다.그러나 북종화의 비옥한 토양을 내버려 둔 채 추사 이후 남종화의 특수한 형태에만 매달려있는 한국화의 편협한 풍토가 그는 못마땅했다.화선지에 먹을 사용해붓으로 그리는 데서 조형적 한계도 느꼈다.그 돌파구로 그는 재료 개발에 나섰고 그림의 지평을 넓혀갔다. 한씨는 80년대 후반부터 자신의 손으로 조개껍데기 가루를 만들어한국화와 서양화의 특성을 접목하는 작업을 시작했다.그 공정은 매우복잡하다.먼저 조개껍데기를 말린 뒤 빻아 물에 침전시켜 1년동안 보관한다.그것을 다시 가마솥에서 볶으면 불에 의해 여과돼 불변성 재료로 완성된다.조개가루는 돌가루보다 구성이 조밀하지 않아 흡수력이 좋고 번짐효과가 뛰어나다.무게가 덜 나가 캔버스에 발랐을 때 반영구적인 장점이 있다.이 조개껍데기 재료의 견뢰도(堅牢度)는 10년이 넘는다.“재료에 대한 검증은 작가로서의 최소한의 양심”이라는게 그의 소신이다. 한때 패션 컨설턴트로도 활동했던 한씨는 만화에도 조예가 깊다.그는 ‘만화’라는 일본식 표현 대신 생활속의 그림을 뜻하는 ‘생활화’란 말을 쓸 것을 주창한다.지난 71년 그려놓은 만화작품들을 한데모은 ‘한아름 카툰 에세이’란 단행본도 곧 펴낼 계획이다. 김종면기자 jmkim@

한국 전후추상미술의 대표적 작가인 윤명로 화백(64·서울대교수)이지난 95년 개인전 이후 새롭게 변모한 작품세계를 보여주고 있다. 서울 평창동 가나아트센터에서 열리고 있는 ‘겸재예찬’전이 그 현장이다.조선후기 중국의 관념산수화풍을 버리고 독자적인 조선의 화풍을 일궈낸 겸재 정선의 정신세계를 기리고 계승하는 자리다. 윤 화백은 63년 파리 비엔날레에 출품한 ‘회화 M-10’ 이후 70년대‘균열’,80년대 ‘얼레짓’,90년대 ‘익명의 땅’ 시리즈 등 일련의작품을 선보이며 자기양식을 뚜렷이 해온 작가다.그의 예술세계에 결정적인 영향을 끼친 것은 겸재의 진경산수.“겸재 만큼 금강산을 읽은 작가는 없다.겸재가 금강산을 만난 것이 아니라 금강산이 겸재를만났다”고 할 정도로 겸재의 세계에 빠져 왔다. 그러나 그가 겸재와똑같은 형상의 진짜 산수를 그리는 것은 아니다. 이번 전시는 무엇보다 기법과 재료면에서 독창성을 보여줘 주목된다.작가는 다른 안료를 쓰지 않고 면포 위에 철분만을 사용해 독특한추상공간을 만들어냈다.간결한 선적 구성으로 마무리된 그림들은 붓가는대로 그린 ‘무작위의 세계’같다.이전의 그림들과는 사뭇 다르다.힘이 넘치는 격렬한 붓질과 흘러넘치는 듯한 육중한 질료가 특징인 ‘익명의 땅’ 연작과 대비된다.이와 관련,오광수 국립현대미술관장은 “모필로 산의 주름살을 묘파했던 옛 사람들의 방법을 윤명로는전혀 다른 재료와 방법을 통해 접근하고 있다”며 “그것은 바로 오늘의 정신과 방법에 의한 겸재의 패러디”라고 평했다.전시는 10월 22일까지.(02)3216-1020김종면기자 jmkim@

한국 현대미술의 흐름을 한 눈에 살펴볼 수 있는 ‘2000년 현대미술12인전’ 이 20일부터 10월 4일까지 서울 인사동 선화랑에서 열린다. 정창섭 박서보 윤형근 하종현 윤명로 김봉태 최명영 하동철 이강소오수환 이두식 박승규 등 한국 현대미술을 주도해온 대표급 작가 12명이 각각 2,3점씩 모두 30여점의 작품을 낸다. 이번 전시에서 특히주목할 만한 것은 모노크롬,즉 단색화다.단색화는 1970년대 후반 한국 현대미술의 가장 두드러진 경향으로,국제적으로 미니멀리즘과 맞물리면서 크게 유행했다.백색 모노크롬 계열에 속하는 대표적인 작가는 권영우 박서보 서승원 김홍석 이동엽 허황 곽남신 윤명로 진옥선등.흑색 혹은 기타 색채에 의한 모노크롬 작가로는 김기린 정상화 윤형근 하종현 최명영 김진석 최대섭 박장년 등이 꼽힌다.이번 전시의감상 포인트는 바로 모노크롬 작가의 작품과 그 자취를 더듬어 보는데 있다. 모노크롬 쪽에서 가장 왕성한 활동을 보여주는 작가는 ‘묘법’시리즈의 박서보다.그는 일본에서 유학하고 돌아온 선배 추상작가들과는달리한국의 미술대학에서 배출된 첫 세대로,그의 화력은 한국 현대미술 특히 추상미술의 역사와 궤를 같이 한다.그가 30년 이상 매달려온 ‘묘법’은 한지를 통해 묻어 나오는 부드럽고 고아한 맛,도자기에서나 볼 수 있는 담백하고 거친 표면의 질감,숨을 고르면서 서예를하듯 절제된 행위 등이 특징. 한국 현대미술을 한단계 끌어올렸다는평이다. 이강소와 오수환은 동양의 서체적 특징이 담긴 작품으로 눈길을 끄는 작가.이강소의 획은 동양의 서체처럼 어떤 규범을 따르기보다는 한결 자유롭고 추상표현주의적인 기운이 강하다.그가 흔히 사용하는 제한된 흰색이나 회색 또는 청색은 70년대 우리나라에서 일어난 모노크롬 미술과도 연관된다.오수환은 기호를 즐겨 사용한다.그기호들은 서예의 필법을 연상케 한다.본래의 글자를 지우고 그 위에글자를 새로 쓰는 팰림프세스트(palimpsest) 양식이야말로 오수환 회화작업의 색다른 점이다. 참여 작가중 박승규(49)는 가장 젊지만 나이에 비해 다채로운 화력을 쌓은 화가로 주목된다.그의 회화세계는 ‘확산 공간’과 ‘확산이미지’로 요약된다.그는 오토마티슴(automatisme,자동기술법)이나콜라주,데콜라주(deacollage,붙였다 떼어내기) 등 다양한 기법을 통해 독자적인 ‘이미지-공간’의 세계를 구축한다.이번에 선보이는 작품 역시 ‘확산 이미지’다. 격정과 관조의 미학이 어우러진 현대미술의 대표작들을 통해 잡동사니화해가는 현대미술의 품격을 되찾도록 한다는 게 이번 전시의 의도다.(02)734-0458. 김종면기자 jmkim@

도자기에서나 볼 수 있는 담백하고 고운 질감,숨을 고르면서 서예를 하듯 절제된 붓질을 통해 우러나오는 부드럽고 고아한 맛….기하학적 추상의 대가 서승원 홍익대교수(59)가 서울 사간동 갤러리현대에서 오랜만에 국내 개인전을 열고 있다.지난 90년 선화랑 전시 이후 10년만이다. 9월 7일까지 계속될 이번 전시의 출품작은 40여점.서씨가 1960년대부터 일관되게 추구해온 ‘동시성(同時性)’을 주제로 한 모노크롬화다. 동시성이란 무엇인가.작가는 이에 대해 아무런 이해의 실마리도 주지 않는다.미술평론가 김복영 홍익대교수는 동시성을 이렇게 풀이한다.“서승원의 ‘동시성’은 서구 미니멀리즘의 ‘동어반복’이나 자기환원과는 크게 다르다.그것은 오히려 바탕과 공간이 ‘동시적으로나타남’을 강조하려는 데서 비롯됐다” 그러나 그런 설명을 빌리더라도 작가의 순수 추상회화에 대한 이해가 확연해지는 것은 아니다. 다만 분명한 것은 그의 작품세계가 한층 심화된 내면의 깊이를 느끼게 한다는 점이다. 서씨의 작품은 그렇듯 육안만으로만 봐서는 별로 보이는 게 없다.마치 희붐히 동터오는 새벽 하늘과도 같다.그러나 마음의 눈을 뜨고 보면 뭔가 잡힌다.노란 색조에 가까운 흑백의 미묘한 조화와 일정한 형상을 뛰어넘은 ‘무정형 속의 정형’.그것은 우리에게 삶의 관조적모습을 전해준다.작가는 “이같은 분위기는 수없이 거듭되는 붓질로얻어지는 것인 만큼 창작과정은 생각보다 훨씬 어렵다”고 토로한다. 서씨는 국내 순수추상미술 2세대의 핵심작가.곽훈 김구림 오광수 박석원 등과 함께 60년대 중반 ‘오리진’그룹과 ‘A.G’그룹을 만들어 모더니즘 운동을 펼쳤고 기하학적 추상회화를 양식화하는 데 앞장섰다.한국현대작가전 수석상(63년),한국미술대상전 최고상(71년),현대판화 그랑프리전 대상(71년),청년미술가상(78년)을 받는 등 젊은 시절 그의 활약상은 누구 못지 않았다.이번 전시는 작가의 그러한 창조적 열정과 재능이 아직도 살아있음을 보여준다.(02)734-6111. 김종면기자

‘우주와 생명의 운율을 시각화한 조각가’ 문신이 세상을 떠난 지 올해로5년째.서울 관훈동 인사아트센터에서는 그의 5주기를 맞아 추모전이 열리고있다.7월 16일까지. 일본에서 양화를 전공했던 고희동이나 김용준 등이 서양화에서 한국화로 ‘전향’한 예는 있지만 한국미술사상 화가로서 확고한 위치를 굳힌 이가 조각가로 다시 활동한 것은 드문 일이다.문신은 조각가로 널리 알려져 있지만 회화로 미술인생을 시작했다.이번 전시에서는 조각 뿐 아니라 드로잉과 유화도10점 가량 나와 있어 그의 작품세계를 총체적으로 살펴볼 수 있다. 문신은 일제 강점기인 1923년,한국인 아버지와 일본인 어머니 사이에서 태어났다.16세가 되던 해 일본으로 밀항해 동경미술학교에서 서양화를 배운 그는 8·15해방이 되자 돌아와 한국전쟁 중에도 두차례 전시를 여는 등 맹렬한활동을 펼쳤다. 그의 예술세계에 전기가 된 것은 1960년대 프랑스 체류경험. 마흔이 다 돼 파리로 건너간 그는 추상미술에 빠져들었다.조각으로 선회하게된 것은 호구지책으로 16세기 고성 수리를맡았던 게 인연이 됐다. 지붕수리,미장,석공,목공,장식 등 온갖 일을 다했다.문신은 언젠가 “나는 그때 조각이라는 천업(賤業)을 발굴하게 됐다”고 술회한 바 있다.몸의 작업보다는 개념에 경도돼 있는 현대조각의 가벼움을 떠올릴 때 그의 장인정신은 한층 빛난다. 문신 조각의 핵심은 균제미다.마치 곤충을 연상케하는 완벽한 형태의 좌우대칭을 그는 평생 화두로 삼았다.그가 주로 사용한 재료는 흑단과 주목.특히물에 가라앉을 정도로 재질이 단단하고 광택이 뛰어난 흑단을 좋아했다.문신의 드로잉은 조각작품을 읽어낼 수 있는 유력한 코드다.이번에 선보인 드로잉은 그가 프랑스 파리에 재정착한 67년에서 95년 타계하던 해까지 그린 것들이다.문신의 드로잉이 조각을 위한 개념도 수준을 넘어 하나의 회화작품으로 인식되는 것은 작가 특유의 섬세한 필선 덕분이다.한편 깊이감이 돋보이는 유화 ‘빠레트’(1947)는 문신의 전반기 미술활동을 짐작케 하는 대표적인 작품이다.(02)736-1020. 김종면기자