‘국민 아버지’로 불렸던 배우 최불암이 별세하면서 방송가에서는 그를 추모하는 특집 방송을 긴급 편성했다. KBS는 30일 오후 11시 10분 ‘특집 다큐 그리운 안방 손님, 최불암’, 오는 11월 1일 오후 8시 10분 ‘특집 다큐 밥상지기 최불암 당신을 기억합니다’를 편성했다고 밝혔다. 고인이 14년간 이끌었던 ‘한국인의 밥상’은 2011년 1월 첫 방송을 시작으로 단순한 음식 프로그램을 넘어, 한 끼 식사에 담긴 문화와 역사, 지역 공동체의 이야기를 기록하고, 추억과 그리움을 담는 맛의 기억 저장소 역할을 해왔다. MBC 역시 30일과 11월 1일 추모 특집 앙코르 다큐멘터리 ‘파하, 최불암입니다’를 편성했다. 1부는 30일 오후 8시 40분, 2부는 11월 1일 오전 9시 30분 각각 방송된다. 이 다큐멘터리는 앞서 지난 5월 방송된 프로그램으로, 고인의 삶과 연기 세계를 조명한다. 수십 년에 걸친 최불암의 연기사를 플레이리스트처럼 구성해 음악과 함께 그의 주요 작품과 삶을 되짚는다. 고인은 생전 배우의 ‘광대 정신’을 강조해 왔다. 대중들의 삶의 무게를 함께 나누고, 웃음과 위로를 전하는 존재가 바로 ‘배우’라고 여겼다. 동료 및 후배 배우들의 회고도 담겼다. 배우 박근형, 고두심, 박상원, 채시라, 정경호 등이 출연해 고인과의 추억을 전한다. 박근형은 ‘국민 아버지’와는 또 다른 매력을 지닌 최불암의 청년 시절을 회상하며, 고두심은 “모든 이야기를 다 들어줄 것 같은 아버지”라고 고인을 기억한다. 박상원, 채시라, 정경호 등 후배 배우들도 고인과 함께했던 시간을 돌아본다. 최불암은 지난 29일 별세했다. 87세. 1959년 연극 ‘햄릿’으로 데뷔한 고인은 MBC ‘수사반장’의 박영한 반장과 ‘전원일기’의 김 회장 역으로 국민적인 사랑을 받았다. 장례는 5일장이며 초록우산 어린이재단장으로 거행된다. 황영기 초록우산 회장이 장례위원장을 맡고, 이수성·이낙연 전 국무총리 등이 장례위원으로 참여한다. 발인은 다음달 2일 엄수된다. 발인식 후 여의도성당에서 장례 미사가 열린다.

극공작소 마방진이 창단 20주년 기념 신작 연극 ‘투신 Two Scenes’를 11월 13일부터 22일까지 서울 마포아트센터 아트홀맥에 올린다. 마포문화재단과 공동 주최하는 이번 공연은 고선웅(58) 연출과 마방진이 4년 만에 함께 내놓는 신작이다. 작품은 2024년 사망원인통계 기준 하루 평균 40.6명이 스스로 목숨을 끊는 한국 사회의 현실에서 출발한다. 한 중년 남성의 죽음을 다루되, 시선은 죽음의 이유보다 ‘왜 아무도 말리지 않았을까’라는 물음을 향한다. 타인의 절망을 목격한 이들의 침묵과 방관을 비추면서도 고선웅 특유의 위트는 놓지 않는다. 제목은 ‘몸을 던진다’는 뜻의 투신(投身)과 ‘두 장면’을 뜻하는 ‘Two Scenes’의 발음을 포갰다. 어느 공유오피스에서 발생한 사건과 그것을 연극으로 옮기는 배우들의 이야기를 겹친 극중극 형식이다. 무대는 연극과 현실의 경계를 오가고, 관객은 인물의 행동과 이를 해석하는 배우들의 반응을 함께 지켜본다. 공유오피스는 한 공간을 쓰면서도 서로의 삶에 무심한 오늘의 풍경을 드러낸다. 원경식, 이도유재, 조한나, 김윤아 등 극단의 주요 레퍼토리를 함께해온 단원 10명이 즉흥극을 펼치고, 고 연출이 이를 재구성했다. 서정완 대표는 프로듀서이자 극 중 연출가 ‘오광수’로, 김용화 음악감독은 음악감독 역으로 무대에 올라 직접 연주하며 연극이 만들어지는 현장을 펼쳐 보인다. 서 대표는 “배우들이 기획 단계부터 함께한 첫 공동창작”이라면서 “기존에는 연출가에게 맡겼던 부분까지 스스로 고민하고 제안하며 작품을 만들어가고 있다”고 설명했다. 고 연출은 “타인의 절망 앞에 침묵하는 우리의 민낯을 마주하고, 곁에 있는 사람들의 삶을 다시 들여다보는 계기가 되기를 바란다”고 밝혔다. 2005년 고선웅이 창단한 마방진은 가로·세로·대각선의 합이 같은 숫자 배열 ‘마방진’처럼 구성원 각자가 한 칸씩을 채워 무대를 완성한다는 뜻을 이름에 담았다. ‘칼로막베스’, ‘홍도’, ‘회란기’ 등에서 리듬감 있는 대사와 앙상블로 작품성과 대중성을 인정받아왔다.

연극 ‘두 번째 아이’가 12월 8일 LG아트센터 서울 U+ 스테이지에서 국내 초연의 막을 올린다. 엠비제트컴퍼니와 LG아트센터가 공동 제작하는 이 작품은 프랑스 작가 다비드 포앙키노(David Foenkinos·52)의 동명 소설을 원작으로 삼았다. 소설 ‘샤를로트’(2014)로 프랑스 문학상인 르노도상과 공쿠르 데 리세앙을 거머쥔 포앙키노는 작품성과 대중성을 인정받는 작가로 꼽힌다. 주인공은 1999년 영화 ‘해리 포터’ 주인공 오디션에서 최종 후보 두 명까지 올랐다가 끝내 고배를 마신 열 살 소년 마틴 힐. 극은 아버지가 될 날을 앞둔 어른 마틴이 삶이 흔들릴 때마다 ‘그때, 그 순간’으로 되돌아가는 여정을 따라가며, 놓쳐버린 기회와 ‘다른 길을 택했다면’이라는 물음을 유머와 아이러니로 풀어낸다. 무대는 배우 한 명이 인터미션 없이 110분 동안 과거와 현재를 오가며 이끄는 1인극이다. 마틴 힐 역에는 김지온, 손우현, 정택운, 주민진, 전성우, 정휘가 이름을 올렸다. 배우마다 연출 일부를 달리해 6인 6색의 무대를 꾸민다. 김지온은 ‘사의찬미’, ‘빵야’ 등에서 섬세한 감정 연기를 보여왔고, 손우현은 영화와 드라마, 무대를 넘나들며 연기력을 펼쳤다. 빅스 메인 보컬인 정택운은 ‘엘리자벳’, ‘프랑켄슈타인’ 등 뮤지컬 무대에 이어 ‘테베랜드’로 첫 연극 무대를 경험하기도 했다. ‘브로크백 마운틴’과 ‘아트’의 주민진, ‘어쩌면 해피엔딩’과 ‘빵야’의 전성우, ‘대도시의 사랑법’과 ‘시데레우스’의 정휘도 저마다의 마틴을 빚어낸다. 김지온·손우현·정택운이 12월 8일부터, 주민진·전성우·정휘가 2월 초부터 관객을 만난다. 창작진도 탄탄하다. 한국뮤지컬어워즈 연출상을 두 차례 받은 김태형(‘오펀스’·‘팬레터’)이 연출을, 오세혁(‘보도지침’·‘아몬드’)이 각색을 맡았다. ‘빨래’와 ‘랭보’의 작곡가 민찬홍이 서정적 선율로 작품에 온기를 더한다. 공연은 2027년 3월 28일까지 이어진다.

서울시의회 문화체육관광위원회 최원선 부위원장(국민의힘·비례대표)은 지난 29일 서울시의회 의원회관 제1대회의실에서 ‘무대 뒤의 삶, 지속가능한 창작을 묻다: 서울시 연극 지원체계의 진단과 과제’를 주제로 토론회를 개최했다. 서울시의회가 주최하고 최원선 의원과 서울연극협회가 공동으로 주관한 이번 토론회는, 서울시 연극 지원 제도의 현주소와 구조적 한계를 점검하고 연극인들이 안정적으로 창작 활동을 이어갈 수 있는 실효성 있는 정책 과제를 발굴하고자 마련됐다. 이날 행사에는 김길영 국민의힘 대표의원, 황철규 문화체육관광위원회 위원장, 송형종 서울문화재단 대표이사, 김도형 서울연극협회 회장을 비롯한 각계 연극인과 관계자들이 대거 참석해 자리를 빛냈으며, 사회는 이종민 서울시의원이 맡아 진행했다. 최 의원은 개회사를 통해 “K-컬처가 세계적인 전성기를 맞이하고 있지만, 그 바탕이자 뿌리인 연극계 청년·중소 극단들은 불안정한 생계와 열악한 환경으로 무대를 떠나고 있다”며 “창작 공간과 단순 제작비 지원을 넘어 예술인들이 최소한의 생계를 위협받지 않고 지속해서 창작할 수 있도록 실효성 있는 조례 제·개정 및 예산 구조 개선에 적극 나서겠다”고 강조했다. 이날 토론회는 연극계 전문가와 현장 예술가들이 대거 참석한 가운데, 서울시 연극 지원체계의 민낯을 짚어보고 실효성 있는 개선 방안을 모색하는 열띤 발제와 토론으로 채워졌다. 첫 번째 발제자로 나선 김건표 대경대 교수(연극평론가)는 “전국 연극인의 53.1%, 연극단체의 50.5%가 서울에 집중되어 있음에도 불구하고 서울문화재단 주요 연극 창작지원사업의 선정률은 10% 안팎에 불과하다”며, 지원 수요에 비례하는 직접 창작지원 예산의 확대와 2~3년 단위의 다년간 지원체계 도입, 청년 연극인의 단계별 성장 지원 등을 제안했다. 두 번째 발제자인 박상석 동국대 교수(극단놀터 대표)는 연극인이 처한 5대 불안정성(소득·공간·발표 및 유통·노동권·경력단절)을 지적하며 “공연 결과물 위주의 단기 지원에서 벗어나 작품을 연구·준비하는 과정 자체를 정책적으로 인정하고, 정당한 노동 보상과 계약 관행 정착, 소득 공백을 보완할 수 있는 안전망 구축이 시급하다”고 제언했다. 이어 진행된 토론에서는 현장의 생생한 목소리와 정책적 제언이 쏟아졌다. 백승우 서울문화재단 예술지원본부장은 “지원 선정률이 10% 수준인 서울의 현실을 감안할 때, 생태계 선순환 구축과 함께 당장 현장 예술가와 소극장에 실질적인 도움이 되는 직접 재정지원의 확대가 절실하다”고 진단했다. 최홍일 배우는 “서울 연극을 지탱하는 중견 연극인들이 경력에도 불구하고 경제적·사회적 부담으로 위기를 겪고 있다”며 극단 대표 및 제작자의 실제 행정·기획 노동 보상 인정, 중견 특화 창작 및 복귀 지원, 중견 예술인 참여 지원사업 신설을 촉구했다. 이재윤 예술사회적협동조합그린나래 이사장은 연극인의 전문성을 아동·청소년 돌봄 및 지역사회 공공교육과 연결하여 지속 가능한 생계 기반 및 신규 일자리를 창출하는 상생 모델을 제시했다. 오세혁 네버엔딩플레이 대표(연출가·극작가)는 “신규 관객뿐 아니라 다관람 관객의 지속적인 관람을 지원하고, 관람료 지원 등을 통해 관객 저변을 넓혀야 한다”며 “관람객에 대한 지원이 극단과 창작자의 자립으로 이어지는 선순환 구조가 필요하다”고 강조했다. 박시진 청년 연극인은 “연습 기간이 출연료 등 실질적 보상에서 배제되어 청년 연극인들이 생계를 위해 여러 파트타임을 병행해야 하는 실정”이라며, 진입 이후 무대를 떠나지 않고 버틸 수 있는 안전망 마련을 호소했다. 최원선 의원은 “오늘 현장에서 나온 절박하고 생생한 목소리들은 단순한 문제 제기에 그치지 않고, 서울시 문화정책의 패러다임을 바꾸는 소중한 밑거름이 될 것”이라며 “서울시의회 문화체육관광위원회 부위원장으로서 연극인들이 긍지와 자부심을 가지고 마음껏 창작 활동을 펼칠 수 있도록 지속 가능한 지원체계 마련에 최선을 다하겠다”고 밝혔다. 아울러 최 의원은 “현장의 목소리들이 조례 제·개정과 예산 구조 개선으로 이어질 수 있도록 서울시, 서울문화재단과 함께 후속 논의를 이어가겠다”고 밝혔다.

국립극단 후원회(회장 이주열 전 한국은행 총재)가 지난 27일 서울 신라호텔 영빈관에서 ‘2026년 국립극단 후원회의 밤’을 열고 ‘제2회 국립극단 후원회 어워즈’ 수상자를 발표했다. 작품상은 ‘반야 아재’(조광화 연출)와 ‘조씨고아, 복수의 씨앗’(고선웅 연출)이 공동 수상했고, 배우상은 ‘반야 아재’의 심은경이 받았다. ‘반야 아재’는 안톤 체호프(1860~1904)의 ‘바냐 아저씨’를 한국 정미소를 배경으로 번안해 인간의 욕망과 일상의 페이소스를 그렸다. 데뷔 23년 만에 처음 국내 연극 무대에 선 심은경은 주역 서은희를 섬세하고 입체적으로 소화했다. ‘조씨고아, 복수의 씨앗’은 복수의 의미를 묻는 처연한 서사로 10여 년간 사랑받아 온 국립극단 대표작이다. 수상작과 수상자는 2025년 8월부터 1년간 국립극단 제작 연극 가운데 유료객석점유율과 유료관객수로 추린 후보 5편을 놓고 후원회원 사전 투표로 가렸다. 지난해 제1회에서는 ‘헤다 가블러’(박정희 연출)와 이혜영이 각각 작품상과 배우상을 받았다. 고선웅 연출은 “스무 살 때부터 40년간 연극을 해 왔지만 스스로를 끊임없이 성찰하며 잘 해내기란 참 어려운 일이라고 느낀다”면서 “여러분이 따뜻한 후원으로 선업을 쌓아 주실 때 많은 연극인도 함께 살아갈 수 있을 것”이라고 말했다. 조광화 연출은 “사실 체호프 작품을 선호하지는 않았는데 ‘반야 아재’를 만들면서 점점 내 이야기처럼 다가와 큰 위로와 용기를 얻었다”고 돌아봤다. 심은경은 “이 상을 앞으로 더 열심히 배우라는 의미로 받아들이고 오랫동안 성실하게 연기하는 배우가 되겠다”는 소감을 밝혔다. 국립극단 창단 74년 만인 2024년 10월 출범한 후원회는 첫 제작 지원작 ‘반야 아재’에 2억 5000만원을 보태 연습부터 해오름극장 전 회차 매진까지 함께했다. 이 회장은 “올해 대극장 공연의 성공적인 제작과 직원 역량 강화에 힘을 보탤 수 있어 큰 보람을 느낀다”며 꾸준한 동행과 후원을 당부했다.

예순 해 넘는 시간이 두 로봇 사이에 놓였다. 한쪽에는 몸의 불완전함을 드러내는 백남준의 ‘로봇 K-456’, 다른 쪽에는 막힘없이 대화하면서도 때로 그럴듯한 거짓을 말하는 노진아의 ‘네르바 아티피시아’가 있다. 투박한 기계와 유창한 인공지능(AI)의 대면이다. 광주 국립아시아문화전당(ACC)의 ‘ACT 페스티벌 2026’은 이 간극에서 출발한다. 기계는 인간을 얼마나 닮았으며, 인간은 그 앞에서 무엇을 잃고 얻는가. 지난 23일 개막해 11월 8일까지 이어지는 축제에는 10개국 29개 팀이 참여했다. 주제는 ‘아이, 휴먼: 테크네세(世)에 응답하기’. 기술이 감각과 판단, 관계까지 빚어내는 시대를 ‘테크네세’라 이름 붙이고, 진보의 속도보다 그 방향을 묻는다. 복합전시 3·4관과 예술극장 등을 잇는 동선은 첨단 기술의 경연장보다 인간을 되짚는 사유의 현장에 가깝다. ‘K-456’은 그 질문의 오래된 출발점이다. 전시작은 1964년 원작의 설계도를 바탕으로 1996년 제작한 백남준아트센터 소장품. 기계의 몸이 드러내는 어긋남은 ‘네르바’의 언어적 오류와 겹친다. 자연스러운 대답에 사실이 아닌 정보가 섞이는 순간, 관객은 유창함과 진실이 같은 말이 아님을 깨닫는다. 기술의 불완전함은 사라진 것이 아니라 몸에서 언어로 자리를 옮겼다. 크레이그 킨테로와 피비 그린버그가 공동 연출한 확장현실(XR) 연극 ‘블러’에서는 질문이 삶과 죽음으로 깊어진다. 아들을 잃은 여성의 이야기에 가상·증강현실과 AI, 실제 배우의 연기를 포갰다. 인간 복제와 상실을 다루는 작품은 죽음을 되돌릴 가능성보다, 그 가능성을 좇으며 놓칠 가치를 돌아보게 한다. 가상과 실재의 경계가 흐려질수록 애도의 무게는 선명해진다. 발리 푸굴랭의 ‘트레이스: 애도의 프로세서, 광주에서’는 그 무게를 공동체의 기억으로 옮긴다. 작가는 광주에 2주간 머물며 5·18 어머니들의 이야기를 듣고 무등산과 지역의 역사를 살폈다. 그렇게 빚은 가상의 풍경에서 기술은 현실을 지우는 장치가 아니라 타인의 상실에 귀 기울이게 하는 매개가 된다. ‘블러’가 죽음의 경계를 흔든다면, ‘트레이스’는 남겨진 이들이 기억을 나누는 방식을 묻는다. 안네 임호프의 ‘아바타’와 우톈창의 ‘안녕, 춘추각’은 시선을 다시 몸과 감각으로 돌린다. ‘아바타’의 32분 영상에서는 배경이 추상적인 색과 빛으로 흐려져도 사람의 몸은 또렷이 남는다. 반면 AI 영상처럼 보이는 ‘안녕, 춘추각’의 비밀은 옛 극장의 마술과 손기술이다. 하나는 몸의 존재감을 붙들고, 다른 하나는 보는 행위의 확신을 허문다. 전시를 관통하는 말은 ‘글리치’, 곧 어긋남이다. 기계가 삐걱거리는 순간과 눈앞의 이미지를 믿을 수 없게 되는 순간이 맞물린다. 축제는 이를 감춰진 기술의 구조가 드러나는 틈으로 읽는다. 빛과 소리의 공연으로 전시장 밖까지 확장되는 질문도 같다. 기술이 무엇을 할 수 있는가보다, 우리는 기술 앞에서 어떤 인간으로 남을 것인가. 관람은 무료이며 일부 체험은 사전 예약하거나 현장에서 신청할 수 있다. 김상욱 국립아시아문화전당장은 “60여 년 전 뉴욕 거리를 누비다 자동차에 치였던 백남준의 최초 로봇부터, 오월 어머니들의 목소리를 품은 가상의 숲까지 두루 아우르는 자리를 마련했다. 기술이 삶의 지배적 환경이 된 오늘날, 완벽해 보이는 기계의 오작동과 어긋남 앞에서 잠시 멈춰 서서 ‘인간이란 무엇인가’를 다시 생각해보는 뜻깊은 경험이 되길 바란다”고 말했다. 한편 예술과 최첨단 기술의 절묘한 만남을 다룬 ‘ACT 페스티벌 2026’은 오는 11월 8일까지 개최되며, 모든 전시와 체험 프로그램은 전액 무료로 제공된다.

할리우드 배우 에바 마리 세인트‘워터프론트’ 영화 데뷔 직후 여우조연상‘슈퍼맨 리턴즈’ 마샤 켄트 역으로도 익숙97세까지도 팟캐스트 출연하는 등 활동 할리우드 영화 ‘워터프론트’(1954), ‘북북서로 진로를 돌려라’(1959) 등에 출연해 깊은 인상을 남긴 미국의 유명 배우 에바 마리 세인트가 6일(현지시간) 세상을 떠났다. 향년 102세. 미국 뉴욕타임스(NYT), CBS 등에 따르면 고인 측은 이날 발표한 성명에서 “에바 마리 세인트가 로스앤젤레스(LA) 자택에서 가족과 사랑하는 사람들에게 둘러싸인 채 자연사했다”고 밝혔다. 세인트는 영화 데뷔작인 ‘워터프론트’로 단숨에 오스카(아카데미) 여우조연상을 받으며 스타덤에 올랐다. 이 영화에서 그는 부두 노동자 노동조합을 운영하는 마피아 보스의 부하들에게 오빠를 잃은 에디 도일을 연기했다. 에디는 말론 브란도가 연기한 권투 선수 테리 말로이와 사랑에 빠진다. 여자 주인공 배역이었으나 브란도 중심의 영화라 제작사가 여우조연상 후보로 등록했고, 그는 첫 영화로 오스카 수상에 성공했다. 세인트는 당시 시상식에서 만삭의 몸으로 무대에 올라 눈길을 끌었다. 외관으로도 임신 중임이 뚜렷하게 보였던 그는 수상 소감에서 “지금 여기서 아기를 낳을지도 모르겠다”고 말했다. 실제로 이틀 후 아들 대런이 태어났다. 1924년 뉴저지주(州)에서 태어난 세인트는 타이어 제조업체 임원인 아버지와 교사였던 어머니 슬하에서 자랐다. 오하이오 볼링그린 주립대에 진학해 대학 연극을 통해 연기를 접했고, 라디오 연속극을 시작으로 TV에도 진출했다. 1953년 TV 드라마 ‘바운티풀 가는 길’에 출연해 얼굴을 알렸고, 같은 작품이 무대로 옮겨가면서 브로드웨이에도 진출했다. ‘워터프론트’로 성공적인 할리우드 데뷔를 마친 세인트는 ‘북북서로 진로를 돌려라’를 통해 또 하나의 대표작을 남겼다. 앨프리드 히치콕 감독이 연출한 이 영화에서 그는 수수께끼의 스파이인 금발 미녀 이브 역을 연기했다. 이외에도 ‘엑소더스’(1960), ‘올 폴 다운’(1962), ‘36시간’(1964), ‘그랑프리’(1966), ‘러빙’(1970) 등에 출연했다. 1970년대부터는 다시 TV와 연극 무대로 자리를 옮겼다. 1990년에는 ‘피플 라이크 어스’를 통해 첫 에미상을 받았다. 노년에도 간간이 연기 활동을 이어갔고 ‘슈퍼맨 리턴즈’(2006)에서 양어머니인 마사 켄트 역으로 출연하기도 했다. 세인트는 1951년 감독 겸 프로듀서인 제프리 헤이든과 결혼했고, 두 사람은 2016년 헤이든이 먼저 세상을 떠날 때까지 함께했다. 자신의 커리어보다 가족이 우선이라고 말해왔던 세인트는 1년에 영화는 한 편씩만 찍겠다는 원칙을 고수했다. 그는 2014년 CBS ‘선데이 모닝’에 출연해 “예전에 제 에이전트 한 명이 저보고 영화를 훨씬 더 많이 찍으라고 했다. 그래서 저는 ‘안 돼요. 1년에 한 편도 못 찍어요. 어린아이들이 있거든요’라고 했다”며 “그랬더니 그 사람이 ‘그럼 슈퍼스타는 못 되겠네요’라고 하길래 ‘그럴지도 모르겠네요’라고 대답했다”고 말했다. 이어 ‘그 에이전트는 어떻게 됐나’라는 질문을 받자 “해고했다”고 답했다. 세인트는 97세의 나이에도 팟캐스트 시리즈에 출연하는 등 정정한 모습을 보인 바 있다. 유족으로는 2명의 자녀와 4명의 손자녀, 2명의 증손자녀 등이 있다.

유럽에 번진 전쟁의 두려움을 무대로마법사·인간·외국인, 문명의 세계관 마법과 과학이 공존하는 가상의 세계에서 세 나라가 전쟁으로 치닫는다. 삶과 죽음이 가득한 전쟁이지만 무대 위에 총성과 피는 없다. 연극과 음악, 합창, 무용이 뒤섞이며 전쟁의 공포라는 감각을 전달한다. 국립아시아문화전당(ACC)과 서울국제공연예술제(SPAF)의 첫 공동 제작 작품인 오페라극 ‘세 번째 전쟁’이 16~17일 서울 대학로 아르코예술극장 대극장에서 서울 관객과 만난다. 2년간의 리서치와 과정 공유를 거쳐 올해 광주 ACC에서 초연했다. 극작가이자 연출가인 박본은 6일 대학로 예술가의집에서 열린 기자간담회에서 전쟁이라는 소재에 대해 “오페라는 감정도, 미학도 극대화된 장르이고 전쟁은 삶과 죽음을 다룬다”면서 “그래서 오페라 형식에 가장 잘 어울린다고 봤다”고 설명했다. 독일에서 활동하는 그가 주목한 것은 두려움이다. 그는 “우크라이나 전쟁 이후 유럽에서는 전쟁이 다시 일상으로 들어온다는 감각이 생겼지만 누구도 입 밖에 내지 못한다”며 “갈라진 사회를 묶는 공통의 감각인 그 두려움을 극장으로 데려와 폭력적이지 않은 방식으로, 일종의 굿처럼 승화하고 싶었다”고 덧붙였다. 무대에는 문명의 정점을 지난 마법사의 나라, 정점에 선 나라, 정점을 향해 가는 외국인의 나라가 맞물려 돌아간다. 박본 연출이 설정한 나라들은 “너무 현실적이지도, 너무 환상적이지도 않은 그 사이 공간”이다. 마법사 3명은 오페라 가수가 맡았다. 가상의 언어로 노래하는 외국인의 나라에는 인도 출신 배우 아누팜 트리파티 등 실제 외국인 배우가 섰다. 이날 간담회에 함께한 트리파티는 “외국인의 나라는 아직 가진 게 없어 희망이 있기에 오히려 셋 중 가장 행복한 나라”라고 소개했다. 인터넷은 예언, AI는 행복한 순간으로장르 경계 버린 과감한 ‘오페라 실험극’ 소프라노 임선혜는 인터넷을 형상화한 인물 ‘예언’을 연기한다. 박본 연출은 “진실이라고 믿는 것이 어느 순간 진실이 돼버린다는 점에서 인터넷은 예언과 닮았다”고 했고, 임선혜는 “알고리즘을 따라 보고 싶은 것만 보는 현상도 극에 담겼다”고 귀띔했다. 인공지능(AI)이 작곡한 곡도 나온다. “두려움도 슬픔도 없이 평화와 행복만 있는 극 중 가장 행복한 순간”이지만 현실이 아니라 AI였음을 발견하게 된다. 형식에 대한 실험도 과감하게 썼다. 마이크를 쓰지 않는 오페라 가수에게 마이크를 쥐어 주고, 성악을 전공하지 않은 연극배우는 오케스트라 반주에 맞춰 노래한다. 임선혜는 “이 작품을 오페라로 규정할 때 가장 반대한 사람 중 하나가 나였다”면서 “굳이 이름을 붙이자면 ‘오페라 실험극’이라 부르고 싶다”고 밝혔다. 박본 연출은 “소수만 누리는 암호 같은 면은 버리고 오페라의 마법적인 것만 가져오고 싶었다”고 강조했다. 시간 여행자 역의 배우 강애심은 “오디션 땐 노래를 안 시켜 서운했는데 나를 캐스팅한 뒤 캐릭터가 새로 생겼다더라”면서 “대단하고 신기한” 경험을 하고 있다고 했다. 이어 “오페라 가수들에 대한 선입견이 있었는데 누구보다 성실한 모습에 내 생각이 틀렸다는 걸 알았다”고 털어놓기도 했다. 협업을 하며 선입견을 허문 건 강애심뿐은 아니었다. 트리파티는 “연기만 하는 배우는 오페라를 할 수 없다는 생각을 다시 하게 됐다”며 “새로운 길이 열리는 것 같아 연출에게 고맙다”고 했다. 임선혜는 “오페라 가수는 보통 6개월 넘게 작품을 익히는데 광주 초연 땐 3주 전에야 악보를 받았다”면서 “그래도 우리 목소리에 맞춰 재단한 따끈따끈한 곡이었다”고 돌아봤다. 박본 연출은 몰입감 있는 세계관과 독창적인 미학, 강렬한 서사에 음악적 요소를 결합한 무대로 주목받고 있다. 작곡가 벤 뢰슬러와 긴밀하게 협업하며 대규모 오케스트라와 합창, 무용을 적극적으로 활용하는 무대 언어를 구축해 왔다. 베를린 폴크스뷔네, 함부르크 샤우슈필하우스, 뒤셀도르프 샤우슈필하우스, 한국 국립극단 등 유럽과 아시아의 주요 무대가 호명하는 그는 한국어로 만든 이 작품을 해외 무대에 올리는 것이 목표라고도 했다. 이번 공연은 한글·영어 자막이 제공된다.

온라인의 라이브가 오프라인의 축제가 되는 방식… 뷰바가 선보이는 새로운 콘텐츠 경험 공연 장소와 시간, 출연자를 미리 알리지 않고 우연히 라이브를 마주치게 하는 콘텐츠가 오프라인 축제와 만나면 어떤 경험이 만들어질까. 한국문화예술위원회(ARKO)가 주최하는 ‘2026 아트포레스트페스티벌 WITH 백그라운드 라이브’가 그 답을 시도한다. 올해로 4회째를 맞은 이 예술후원 축제는 주식회사 뷰바(VYOOVA)와 함께한다. 공공기관이 주최하는 문화예술 축제에 유튜브 콘텐츠의 연출 문법을 접목한 방식이다. ■ 기부가 놀이가 되는 축제… 4회째 맞은 새로운 방식 모색 아트포레스트페스티벌은 2026년 10월 3일 서울어린이대공원 숲속의 무대에서 열린다. 축제의 출발점은 문화예술 후원을 조금 더 일상적이고 친숙한 경험으로 만드는 데 있다. 참가 방식도 이 취지를 담았다. 9월 18일까지 공식 누리집에서 청년 배우의 성장을 지원하는 ‘연극내일기금’에 5천 원 이상 기부하면 자동으로 축제 참여 응모가 이뤄지며, 추첨을 통해 선정된 기부자 350명이 동반 1인과 함께 초청된다. ARKO는 4회째를 맞아 ‘기부가 즐거운 경험’이라는 메시지를 기존 공연·전시 형식과는 다른 방식으로 전달하고자 했으며, 그 답을 예술 현장이 아닌 콘텐츠 산업에서 찾았다. ■ 왜 ‘백그라운드 라이브(Background Live)’인가… 공간과 우연이 만드는 공연 경험 ARKO가 주목한 것은 유튜브 채널 ‘제이키아웃’이 선보여온 연출 방식인 ‘백그라운드 라이브(Background Live)’다. 백그라운드 라이브는 공연 장소와 시간, 출연자를 미리 알리지 않고, 관람객이 공간을 이동하는 과정에서 우연히 라이브를 마주치도록 만드는 포맷이다. 회사에 따르면 로이킴이 출연한 첫 회는 공개 일주일 만에 조회수 100만을 넘겼고, 이후 김연우·허각·신용재·인순이 등이 출연한 회차에서는 실제 콘서트 매진과 협력 음식점 매출 증가 등의 성과가 나타났다. 이 포맷을 회사에 따르면 230만 구독자와 누적 4.8억 회 조회수 규모로 성장시킨 곳은 제이키아웃의 콘텐츠 IP 종합 기획사 뷰바(VYOOVA)다. 연제민 대표는 “IP의 넥스트 스텝은 O2O(Online to Offline)”라며 온라인에서 오프라인으로 확장된 경험이 다시 콘텐츠로 이어지는 선순환 모델을 강조했다. 이번 협업 역시 축제 현장의 경험을 콘텐츠로 확장하는 데 초점을 맞췄다. ■ 아트포레스트페스티벌(ART FOR;REST FESTIVAL), ‘제이키아웃’과 공동 기획·연출 이번 협업에서 뷰바는 단순한 콘텐츠 제작 대행이 아니라, 축제의 구성 자체를 ARKO와 함께 설계하는 공동 기획·연출 파트너로 참여한다. 뷰바가 운영하는 제이키아웃 채널의 ‘백그라운드 라이브(Background Live)’ 포맷 특유의 ‘이동하며 마주치는’ 공연 동선 설계부터, 이를 뒷받침하는 라인업 구성과 현장 연출까지 뷰바의 기획 역량이 투입됐다. 올해 라인업에는 어반자카파, 10CM, 에릭남(ERIC NAM), 피아니스트 윤한, DJ 요셉, 어노잉박스, 한완정 작가, 그려보리 등이 이름을 올렸으며, 현장에서만 공개되는 ‘히든 아티스트’ 무대도 예고됐다. 여기에 ‘제이키아웃’을 비롯해 ‘권또또’, ‘조현아의 평범한 목요일 밤’ 등 연계 채널들이 콘텐츠로 축제를 함께 알린다. 뷰바는 그동안 글로벌 브랜드와 국내 다양한 기업·기관과 협업하며 온·오프라인 콘텐츠 프로젝트를 진행해왔다. ■ “예술 후원을 일상적인 경험으로”… 뷰바가 그리는 다음 단계 뷰바는 이번 협업을 계기로 온라인 콘텐츠 IP를 오프라인 공공·문화행사로 확장하는 모델을 이어갈 계획이다. 자사가 운영해온 ‘제이키아웃’과 ‘백그라운드 라이브(Backgroung Live)’ 포맷을 공공성 있는 문화예술 프로젝트와 결합해, 콘텐츠 기업이 할 수 있는 사회적 기여의 영역을 넓혀가겠다는 구상이다. 연제민 대표는 “백그라운드 라이브(Background Live)를 통해 온·오프라인을 연결한 콘텐츠 사업의 가능성을 확인했고, 이를 예술 후원이라는 더 많은 사람이 공감할 수 있는 메시지에 적용했다”며 “축제장을 걷다가 우연히 라이브를 마주치는 그 경험이 기부와 예술을 조금 더 가깝게 느끼는 계기가 되길 바란다”고 말했다. 뷰바는 한국관광공사가 주관하고 액셀러레이터 와이앤아처가 운영하는 ‘2026 관광 글로벌 챌린지’ 지원사업 수행기업에 선정되어 해외 진출을 위한 지원 및 프로그램을 수행하고 있다.

재난과 전쟁, 신념의 충돌…신화는 지금의 인간을 묻는다 독일 극작가 롤란트 쉼멜페니히(59)의 5부작 ‘안트로폴리스’는 고대 그리스 테베 왕가의 신화를 무대에 올리지만, 그 시선이 향하는 곳은 지금 여기의 인간 사회다. 인간의 시대를 뜻하는 ‘안트로포첸(Anthropozän)’과 도시국가를 뜻하는 ‘폴리스(Polis)’를 합친 말이다. 2023년 독일 함부르크 도이체스 샤우슈필하우스에서 초연된 이 연작을 국립극단이 지난해부터 차례로 공연하고 있다. 지난 24일 개막한 3부 ‘오이디푸스’ 공연에 맞춰 30일 서울 명동예술극장에서 열린 기자간담회에 참석한 박정희 국립극단 단장과 강량원·서지혜·정영두 연출가, 임일진 무대미술가가 작품에 대해 가진 질문은 한곳으로 모였다. 신화는 먼 과거의 이야기가 아니라 현재의 인간을 되묻는 질문이라는 것이다. ‘안트로폴리스’ 연작은 지난해 1부 ‘프롤로그/디오니소스’(윤한솔 연출)와 2부 ‘라이오스’(김수정 연출)로 전석 매진을 기록했다. 올해는 3부 ‘오이디푸스’(강량원 연출·10월 18일까지)에 이어 4부 ‘이오카스테’(서지혜 연출·10월 28일~11월 21일), 5부 ‘안티고네/에필로그’(정영두 연출·12월 2~26일)로 이어진다. 박 단장은 연작을 올린 이유를 ‘현존과 좌표’에서 찾았다. 박 단장은 “연극은 인간을 위해, 인간에 대한 질문으로부터 시작되는 예술”이라면서 인간의 현존에 사회적·경제적 환경 속에서 인간이 어떻게 존재하는가를 묻는 ‘좌표’를 붙였다. ‘안트로폴리스’도 그 질문의 일환으로 “고전과 신화에는 인간의 뿌리, 역사의 뿌리, 폭력의 뿌리가 있다”면서 “우리가 왜 지금 이렇게 살고 있는가를 묻고 있기 때문에 관객이 몰리는 듯하다”고 분석했다. 무대에 오르는 세 편의 연출가가 저마다 붙든 질문도 결국 ‘지금의 인간’이었다. 강 연출은 소포클레스(기원전 496년경~기원전 406년)의 ‘오이디푸스 왕’이 던지는 질문, 곧 도시를 덮친 재난을 누가 해결할 것인가를 거꾸로 뒤집었다. 그는 “그리스 시대에는 현명하고 완전한 인간이 재난을 해결할 수 있다고 믿었다면, 지금은 바로 그런 생각이 현재의 재난을 초래하는 게 아닌가 생각한다”면서 “인간에게 소외되거나 인간 바깥으로 밀려난 비인간의 관점과 몸을 통해 지금의 인간을 들여다보는 것이 중요하다고 봤다”고 설명했다. 함부르크 공연에서 40명의 코러스를 둔 자리에 개·염소·독수리·금강석 같은 비인간 존재를 두었다. 쉼멜페니히가 원작 희곡에 부록으로 붙인 ‘암흑의 집’에 등장하는 존재들이다. 오이디푸스 역시 장애를 갖고 이주민으로서 차별을 견뎌 온 소수자로 다시 그렸다. 강 연출은 “수치와 상처로 가득 찬 몸을 경험한 사람만이 다른 사람의 고통에 다가갈 수 있다고 생각했다”며 “그 몸이 잘 보이도록 무대를 거의 없애고 소품을 걷어낸 뒤 빛으로 가득 채웠다”고 덧붙였다. 4부 ‘이오카스테’는 소포클레스의 비극에서 스스로 목숨을 끊은 이오카스테를 되살린다. 쉼멜페니히는 아이스킬로스의 ‘테베를 공격한 일곱 장수’와 에우리피데스 ‘페니키아 여인들’을 바탕으로 왕위를 놓고 전쟁을 벌이려는 두 아들을 중재하는 어머니 이오카스테를 세웠다. 서 연출은 “다섯 편을 읽는 내내 반복되는 피와 폭력의 비극을 말리는 사람이 앞에서부터 한 명도 없었다”면서 “작가가 지혜로운 이오카스테를 되살린 건 이쯤에서 멈춰 서서 협상 테이블에 앉아 지금 문명이 어떻게 돌아가는지 이성적으로 판단해 보자고 말하는 것처럼 느껴졌다”고 떠올렸다. 강량원 “비인간의 몸으로 들여다 본 인간”서지혜 “문명을 이성적으로 판단할 시간”이 작품이 다루는 시간은 짧은 휴전 동안 평화 협상이 시작돼 결렬되기까지가 전부다. 같은 장면이 되풀이되며 협상은 조금씩 나아가다 끝내 깨지고, 전쟁이 시작되며 막이 내린다. 이오카스테는 폭력의 악순환을 멈추려는 유일한 중재자이자 협상의 진전과 결렬이 곧 성공과 실패로 맞닿는 인물이다. 서 연출은 “피와 폭력에서 발생한 문명의 패러다임이 바뀌지 않는 한 지금의 우리에게도 고대와 다름없는 비극이 계속될 것이라는 강력한 경고로 읽었다”면서 지금 세계 뉴스에서 보이는 장면들로 치환시켜 무대에 올렸다. 에테오클레스의 선전포고를 기자들 앞의 대국민 선언으로, 성 밖 폴리네이케스의 외침을 기자회견 형식의 입장 발표로, 전쟁의 공포에 떠는 여인들의 장면을 시민들의 시위로 바꿨다. 4부가 던지는 이성적인 판단이 실패할 때 맞이하게 되는 파국은 ‘안티고네’로 넘어간다. 쉼멜페니히는 ‘안트로폴리스’ 작가의 말에서 이오카스테와 안티고네를 “수동적인 역할에 머무르기를 거부”하는 인물이라면서 “절대적 권력은 없지만 둘 다 도덕적 용기를 보여준다”고 전했다. 정 연출이 맡은 5부 ‘안티고네/에필로그’로 연작은 대단원의 막을 내린다. 현대무용 안무가와 오페라 연출가로 활동해온 정 연출에게 이번 작품은 국내에선 첫 연극 연출이다. 국내에서 연극을 연출하는 것은 이번이 처음이라며 “독일이 아닌 지금의 대한민국, 나아가 보편적인 세계 상황에서 인간이 문명을 대하는 자세, 자연을 대하는 자세를 작품 안에 어떻게 녹여낼지 고민하고 있다”고 밝혔다. “나의 신념과 다른 사람의 신념이 부딪힐 때 그것을 풀어가는 인간의 지혜는 어디서 오는가, 흑과 백처럼 무엇이 옳고 그른지 쉽게 나눌 수 있는가, 과연 인간이 그런 존재인가를 들여다보고 있다”면서 “앞의 네 작품을 연결하면서 관객들이 자연스럽게 종결지을 수 있지 않을까 생각한다”고 덧붙였다. 연작은 독특하게 ‘프롤로그’로 테베의 시작을 짚었고, 맨 끝에 ‘에필로그’를 붙였다. 정 연출은 “역시 인간의 문명에 대한 이야기”라며 “그 자체로 완성도를 담아내겠다”고 했다. 세 연출가의 말을 겹쳐 보면 연작의 무게중심이 어디로 옮겨 가는지 드러난다. 지난해의 1·2부가 테베의 기원과 신의 광기, 오이디푸스 이전의 역사를 펼쳤다면, 올해의 세 편은 인간이 스스로 불러온 재난과 전쟁, 국가와 양심의 충돌을 다룬다. 쉼멜페니히 역시 앞서 독일 매체 인터뷰에서 ‘이오카스테’에 이르면 더는 신이나 신탁이 끼어들지 않고 형제가 서로에게 전쟁을 선포한다고 했다. 후반부 세 편이야말로 지금의 인간상을 가장 또렷하게 비추는 셈이다. 다섯 편의 무대를 모두 맡은 임 무대미술가의 말은 그 자체로 관람 포인트다. 그는 “시작과 끝이 선명한 5부작이라 자칫 같은 공간을 조금씩 바꿔 가는 미니시리즈처럼 생각할 수 있다”면서 “연출가들의 주제의식은 크게 다르지 않지만 색깔이 워낙 달라 하나의 공간에 묶어 두는 건 말이 안 된다. 각 연출의 주제를 최대한 살리면서 통일성을 어떻게 가져갈지가 가장 큰 숙제”라고 말했다. 임일진 “연출 색깔 살리되 공통 상징 활용”정영두 “관객이 자연스레 느낄 종결 고민”일종의 촬영장처럼 만든 ‘디오니소스’와 커다란 계단을 세운 ‘라이오스’는 무대 위를 가득 채워 시각적 요소를 강화했다. ‘오이디푸스’는 무대를 비운 미니멀리즘 성격이 강하다. 각기 다른 무대를 보여준 임 무대미술가가 다섯 편을 잇는 끈으로 남겨 둔 건 LED 구조물 ‘빌보드’와 컨테이너다. 임 미술가는 “상징이라고까지 하기엔 조심스럽지만, 다섯 연출가의 방향에 모두 부합하는 공통분모를 찾아 최소한만 남겨 둔 채 각 작품의 개성을 살린다”면서 “각 편이 따로 떼어 놓아도 선명한 색깔을 갖고, 이어 붙였을 때는 큰 덩어리 안에서 연결점이 확실히 보이는 작품이었으면 한다”는 의도를 전했다. 2013년 한태숙 연출의 ‘안티고네’ 무대도 맡았던 그는 “당시 ‘안티고네’가 아고라 광장이나 정치 제도 같은 사회 시스템과 개인의 관계에 초점을 맞췄다면, 이번 연작은 정치나 인문학보다 제목 그대로 인류학에 맞춰져 있다”고 비교했다. 남은 두 편의 무대에 대해서는 “‘오이디푸스’와는 또 다를 것이다”라며 말을 아꼈다. 대신 관객에게 당부를 남겼다. “테베라는 도시의 모습을 사실적으로 상상하지 않는 게 낫다. 스타일은 내려놓고 각 작품이 향하는 인류학적 문제를 지켜봐 주면 무대를 읽기가 한결 편하다”는 것이다.

서울 금천구와 금천문화재단은 10월 4일 금천구 은행나무로 일대에서 ‘2026 금천시흥행궁문화제’를 연다고 30일 밝혔다. 축제는 ‘여민동락(與民同樂), 왕과 백성이 함께 즐기다’를 주제로 정조대왕의 1795년 을묘년 원행과 금천에 있던 시흥행궁을 공연과 전통연희, 체험 행사로 풀어낸다. 주요 행사로는 주민 100명이 참여하는 ‘정조대왕 능행차 공동재현’과 시흥행궁을 주제로 한 야간 공연 ‘시흥행궁 나이트’가 있다. ‘정조대왕 능행차 공동재현’은 구청 입구 삼거리에서 출발해 시흥5동주민센터까지 이어진다. 취타대와 주민 100명이 행렬에 참여한다. 정조대왕과 혜경궁 홍씨, 청선군주, 청연군주 등 주요 왕실 배역도 주민들이 맡는다. 이어서 ‘시흥행궁 나이트’가 열린다. 정조대왕이 시흥행궁에 머물렀던 역사적 사실에서 착안해 지금은 사라진 행궁의 모습을 빛과 음악, 움직임으로 표현한다. 첫 번째 주제공연 ‘야(夜)! 행궁!!’에서는 등롱의 불빛과 무용수의 움직임으로 행궁의 길과 회랑, 마당을 표현한다. 음악과 연극, 무용, 연희가 어우러져 행궁의 모습을 공연으로 재현한다. 두 번째 주제공연 ‘정조 그루브(Groove): 단심난장’에서는 사자놀이, 기놀이, 버나, 죽방울 등 전통연희를 선보인다. 관람객이 조선시대 인물이 돼 미션을 수행하는 ‘역할카드 미션’도 진행한다. 성향 테스트를 통해 캐릭터를 정한 뒤 축제장 곳곳에서 5개 미션을 완료하면 기념품을 받을 수 있다. 상소문 포토존, 전통놀이, 소탈·버나·청사초롱 만들기, 서예 체험 등도 운영한다. 최기찬 구청장은 “금천은 정조대왕이 화성으로 향하던 길목이자 시흥행궁의 역사를 품고 있는 지역”이라며 “주민과 함께 능행차를 재현하고 공연과 체험을 즐기며 금천의 역사와 문화를 만나보길 바란다”고 말했다.

배우 이휘향이 남편의 헌신적인 외조 덕분에 연기자로서 화려한 전성기를 맞이할 수 있었다고 털어놨다. 30일 공개된 유튜브 채널 ‘송승환의 원더풀 라이프’에 출연한 이휘향은 과거 결혼과 함께 5년 동안 공백기를 가졌던 사연을 전했다. 과거 첫 드라마 ‘수사반장’에 출연했던 그는 결혼 이후 남편과 함께 포항에서 생활하던 중 연극 섭외를 받게 됐다. 그는 방송에서 “당시 우리가 포항에서 지냈는데 연극 섭외를 받은 거다. 남편이 먼저 출연을 권하기에 나는 안 된다고 연극은 그렇게 쉽게 하는 게 아니라고 했다”고 당시를 회상했다. 이어 “연극은 연습을 오래 해야 하는데 육아를 해야 하지 않느냐고 하니 남편이 직접 아들을 봐주겠다고 했다”며 “3개월간 공연을 했는데 맨 앞자리엔 늘 남편이 있었다”고 덧붙였다. 이후 남편의 전폭적인 지원 속에서 참여한 연극 ‘돼지의 딸’은 지방연극제에서 대통령상을 수상하는 쾌거를 거뒀다. 또한 이 무대를 통해 여우주연상을 거머쥐며 배우로서의 능력을 입증했다. 그는 “상 받고 남편이 ‘넌 연기를 해야 돼. 지방에 있으면 안 돼’라고 해줘서 바로 서울로 상경했다”며 “당시 최불암이 직접 찾아와 현대예술극장에서 공개되는 연극의 출연을 제의했다. 나는 너무 좋았다. 드라마보다 더 좋았다”고 털어놨다. 공연은 흥행을 하며 연장 공연까지 이어졌다. 남편의 적극적인 권유와 지원에 힘입어 본격적인 서울 활동을 재개한 그는 드라마 ‘풀잎마다 이슬’ 대본을 받으며 성공적으로 복귀했다. 그는 “이게 내 운명이구나 싶었다”며 배우의 길에 확신을 갖게 됐다고 밝혔다. 한편 이휘향은 1982년 조직폭력배 출신으로 알려진 19세 연상의 고(故) 김두조와 결혼해 슬하에 아들 한 명을 뒀다. 남편은 결혼 후 과거 조직폭력배 생활을 완전히 청산한 것으로 알려졌으며, 지난 2005년 폐암 투병 끝에 별세했다.

할리우드 대표 노배우의 새 도전음악 함께한 60년 회고록 가까워두다멜 “창작 목소리 지닌 예술가” 영화에 바친 평생은 어쩌면 한 편의 꿈이었을까. 할리우드를 대표하는 노(老)배우가 말년에 이르러 완성한 관현악 선율은 아름다운 시절을 향한 찬미처럼 들린다. 식인종 연쇄살인마 한니발 렉터(‘양들의 침묵’), 치매에 걸린 노인(‘더 파더’) 그리고 토르와 로키의 아버지인 최고신 오딘(‘마블 시네마틱 유니버스’)까지. 캐릭터와 장르를 넘나들며 연기 예술의 정점을 보여준 배우 앤서니 홉킨스(89)를 서면으로 만났다. 배우로서 만난 게 아니다. 지난달 세계적인 클래식 레이블 데카 클래식스에서 첫 번째 앨범을 발매한 ‘클래식 작곡가’로서 대화를 나눴다. “모든 게 저를 놀라게 합니다. ‘내가 어떻게 아직도 여기에 있지?’ 매일 아침 눈을 뜨며 생각합니다.” 아흔에 가까운 나이에 ‘새로운 도전’을 하게 된 배우에게 모든 게 ‘경이로움’으로 다가간다. 세계적인 지휘자 마에스트로 구스타보 두다멜이 지휘하는 영국 필하모니아 오케스트라가 곡을 연주했다. 영화배우로는 세계 최정상에 서 있지만, 작곡가로는 아직 아마추어인 그에게 이런 상황은 놀라움의 연속이다. 홉킨스는 “제 작품이 이들의 연주로 구현되는 일은 ‘상상을 넘어서는 꿈’”이라고 말했다. “앨범의 제목은 ‘인생은 한 편의 꿈’(Life Is A Dream)으로, 이것은 삶에 바치는 ‘러브레터’입니다. 저는 그것을 하나의 긴 작별이라고 생각합니다. 태어나서 죽음에 이르기까지 우리는 끊임없이 무언가와 작별하고 있습니다.” 홉킨스는 영국 웨일스 포트 탤벗에서 태어났다. 피아노를 치기 시작한 것은 네 살부터다. 여섯 살 무렵 즉흥 연주를 할 정도로 음악에 소질을 보였고, 10대 시절인 1950년대에는 지역 연극을 위한 음악도 작곡했다고 한다. 앨범에 실린 12곡은 어느 한 시기에 쓰인 것이 아니다. 음악을 곁에 뒀던 60년의 세월이 고스란히 담긴 회고록에 가깝다. 그는 “어린 시절과 부모님 그리고 웨일스에 대한 기억은 놀라울 만큼 선명하고, 제 작품에 영감을 줬다”고 했다. 지휘봉을 잡은 두다멜은 홉킨스에 대해 “하나의 매체를 넘어서는 창작의 목소리를 지닌, 보기 드문 예술가”라며 “무대와 스크린에서 보여준 그의 비범한 상상력의 깊이와 인간성, 감정적 진실성은 음악에도 그대로 담겨 있다”고 찬사를 아끼지 않았다. 홉킨스도 두다멜에 대해 “우아하고 정밀한 지휘봉으로 각각의 음에 깊고 지워지지 않는 의미를 부여했다”며 화답했다. 홉킨스는 이 작품의 수익 일부를 베네수엘라 국민을 지원하는 데 쓰기로 했다. 베네수엘라 출신인 두다멜은 현재 유엔개발계획(UNDP)과 함께 지진 구호 활동을 펼치고 있는데, 홉킨스도 여기에 마음을 더하려는 것이다.

취임 5개월여 만에 첫 기자간담회웹툰 IP 공연화·시니어 무대 추진전문성 논란엔 “많이 배우고 있어”“예술적 가치 있는 ‘재미’ 담을 것” “정동극장에 가면 재미있고 새로운 공연을 언제든 만날 수 있는 극장, 모두 함께 놀 수 있는 문화 놀이터를 만들겠습니다.” 서승만 국립정동극장 대표는 22일 서울 중구 국립정동극장 세실에서 연 취임 후 첫 기자간담회에서 ‘재미’와 ‘놀이’를 여러 차례 언급했다. “예술성이 있어도 재미가 없으면 외면받기 십상”이라면서 정동극장의 운영 방향이나 정체성을 설명하면서 “내국인, 국내 팬들이 먼저 좋아하고 찾아오는 공연장”으로 귀결시켰다. 1982년 MBC 개그맨으로 데뷔한 서 대표는 코미디·예능·드라마에 출연했고, 마당놀이·뮤지컬·연극 등을 제작했다. 그는 “1982년부터 지금까지 문화예술과 떨어져 지낸 적이 한 번도 없다”면서 “그런데 이렇게 많은 기자 앞에서 간담회를 하는 건 처음이라 기분이 좋으면서도 긴장된다”고 운을 뗐다. 지난 4월 10일 임기 3년의 대표이사로 임명된 지 5개월여 만에 간담회를 한 까닭을 묻자 “은근히 하는 일이 정말 많았다”면서 “조직을 파악하는 데만 열흘 넘게 걸렸고, 5개월 동안 지방 출장을 14번 다녀왔다”고 털어놨다. 6개월이 다 돼 가도록 일요일에 쉰 날은 단 하루였다고 했다. 고심하고 논의하면서 내놓은 극장 운영의 큰 틀은 다섯 가지로, 대표 레퍼토리 육성과 예술단 고유의 예술적 가치 강화, 국내외 예술기관과의 협력 확대, 관객과 함께 성장하는 열린 극장, 지속 가능한 예술·조직 기반 구축이다. 이 중 오래 살아남는 레퍼토리를 첫손에 꼽았다. 서 대표는 “좋은 공연은 만드는 것도, 무대에 올리는 것도 정말 어려운데 그렇게 만들어 놓고 사라지는 경우가 굉장히 많다”면서 “시간이 지나도 오랫동안 정동극장의 레퍼토리로 공연할 수 있는 작품을 만들겠다”고 강조했다. 신호탄은 웹툰이다. 극장은 지난 6월 한국만화영상진흥원과 업무협약을 맺었다. 정동극장의 결에 맞는 웹툰을 골라 2027년 낭독 쇼케이스를 열고, 2028년 정식 공연으로 발전시킬 계획이다. “처음부터 큰 공연을 만드는 게 아니라 리딩 공연으로 가치를 확인한 뒤 정식 공연으로 키우겠다”면서 “웹툰뿐 아니라 감동과 재미를 줄 수 있는 소재라면 어떤 것이든 개발하겠다”고 덧붙였다. 극장의 대표 레퍼토리인 ‘적벽’, ‘쇼맨_어느 독재자의 네 번째 대역배우’, ‘비밀의 화원’을 예로 들었다. ‘쇼맨’과 ‘비밀의 화원’은 창작진과 소재를 함께 개발해 정동극장이 신작으로 먼저 선보였고, ‘적벽’은 대학에서 만들어진 공연을 정동극장 세실의 ‘창작ing’ 프로그램을 거쳐 2차 제작 방식으로 레퍼토리화한 사례다. 문효원 제작팀장은 “리딩 공연과 쇼케이스를 거쳐 신작을 발표하는 단계별 시스템으로 내실을 다지고, 재공연을 거듭하며 대표 레퍼토리로 자리 잡도록 2차 개발을 넓히겠다”고 부연했다. 다만 권리 문제가 걸림돌이다. 문 팀장은 “초기 개발작은 국내 공연권만 다루다 보니 창작진도 극장도 확장의 길을 찾지 못했다”면서 “앞으로 제작하는 창작 공연이나 뮤지컬은 IP(지식재산권)부터 함께 갖고 해외 교류까지 극장이 직접 진행하는 방향을 고민하고 있다”고 전했다. ‘2차 제작극장’ 모델을 다져 온 세실 극장의 운영도 연장한다. 서 대표는 “힘들게 만든 좋은 작품이 여력이 안 돼 사라지는 게 너무 안타까웠다”면서 “창작자에게는 다시 도약할 기회를, 관객에게는 새롭게 다듬은 좋은 작품을 만날 기회를 주는 2차 제작극장 역할을 계속하겠다”고 말했다. 작품 개발을 위해 협력의 폭도 확장했다. 취임 4개월 사이 한국문화예술회관연합회, 한국만화영상진흥원 등과 업무협약(MOU)을 8건 맺었다는 서 대표는 “협약을 맺는 데에만 의미를 두지 않고 단체들과 실제 협업을 모두 진행하고 있다”고 자신했다. 지난 8월 일본 세타가야 퍼블릭 시어터와 업무협약을 약속하면서 예술단의 전통연희극 ‘광대’를 세타가야 무대에 올리고, 세타가야의 작품은 정동극장으로 초청해 국내 관객에게 소개할 예정이다. 무용·타악·소리 단원으로 이뤄진 예술단의 역량을 살려 전통을 동시대 감각으로 잇겠다고도 했다. 오는 29일 정동 야외마당에서 점심 공연인 ‘정오의 한마당’을 올리고, 연말엔 마당놀이를 계획하고 있다. ‘정오의 한마당’에선 대한택견회와 함께하는 택견 시범에 줄타기 같은 남사당놀이 여섯 마당을 벌인다. 10월에는 정동마루에서 출판사와 함께하는 북 콘서트도 연다. 줄곧 질문이 나온 ‘정동극장만의 차별점’에 대해 서 대표는 “모두 함께 놀 수 있는 문화 놀이터를 만드는 게 내 방향 가운데 하나”라고 거듭 말했다. 특히 공을 들이는 대목은 중장년·시니어 세대가 직접 무대의 주인공이 되는 프로그램이다. 그가 “숙원 사업”이라 부르는 이 사업은 내년 초 시작을 목표로 준비하고 있다. 계기는 드라마 지방 촬영 현장에서 만난 단역 배우들이었다. 연기를 꿈꿨지만 여러 사정으로 꿈을 접어야 했던 이들을 만나면서 “그런 분들에게 인생의 마지막에 정열을 불태울 수 있는 기회를 만들어 주면 어떨까 오랫동안 생각했다”고 돌아봤다. 우려도 잇따랐다. 이미 적지 않은 지방자치단체에서도 하는 프로그램을 국립 공연장이 해야 하느냐는 점이다. 그는 “국립이니까 공익적인 작품도 만드는 게 나쁘지 않다”고 반박하면서 “프로그램이 끝날 때마다 새로운 작품을 만들려고 한다. 그것도 국립정동극장의 레퍼토리 가운데 하나가 될 수 있을 것으로 본다”고 했다. 지속 가능한 기반을 다지는 데서 그가 가장 힘준 것은 안전이다. 부임 직후 현장 안전 점검을 강화하고 별도의 안전TF팀을 꾸렸다. 직급·부서와 관계없이 자유롭게 의견을 낼 수 있는 내부 제안 제도도 만들었다. 임직원의 심리·정서를 돕는 근로자 지원 프로그램(EAP)도 도입했다. “결국 좋은 조직에서 좋은 작품이 나온다”는 게 그의 생각이다. 지난여름 세실 무대에 오른 ‘창작ing’ 선정작 뮤지컬 ‘던터치’는 주연 배우가 다쳐 조기 폐막 위기에 몰렸다가 캐스팅을 다시 짜 공연을 이어 가기도 했다. 당시 극장은 출연하지 못한 배우들의 출연료를 보전하고 공연을 이어갈 수 있도록 지원했다. 서 대표는 “배우의 부상은 당사자뿐 아니라 함께 연습해 온 다른 배우들에게도 악재였고, 기다리는 관객에 대한 예의도 아니다”라면서 “무대를 위해 고생했는데 다쳐서 출연도 못 하고 출연료까지 못 받는다면 배우 입장에서 너무 억울할 것 같았다”고 이유를 댔다. “국립기관의 책임감까지는 생각 못했고 배우 입장만 봤다”고 털어놨다. 이날 간담회에선 취임 당시 그의 이력과 전문성이 도마에 올랐던 터라 정동극장의 정체성과 운영 방식에 대한 질문이 이어졌다. 특히 ‘재미’를 앞세운 데 대한 반문이 이어졌다. 정동극장이 상설 전통공연을 올리면서 외국인 관광 자원으로서 역할했던 점, 재미가 없더라도 순수예술 작품을 끌고 갈 가치와 화두가 있어야 한다는 점이 거론됐다. 서 대표는 “웃고 떠들고 신나는 것만 재미가 아니다”라면서 “‘로미오와 줄리엣’이나 ‘햄릿’ 같은 비극도 재미있게 본다. 재미 안에는 비극도 희극도 있고 예술적 가치도 있다”고 풀이했다. 이어 “이쪽(공연계)에서 정말 오래 일해 스스로 최적화돼 있다고 생각한다”면서도 “부족한 건 한두 가지가 아니고, 팀원들과 함께 조금씩 채워 나가고 있다”고 인정했다. “국립 공연장은 한 번도 운영해 본 적이 없다는 게 가장 부족한 점”이라고 고백하듯 말한 그는 “국립이라는 부담감도 있어 많이 배우고 있다”고 시인했다. 아울러 “서울 한복판에 놓인 정동극장, 이 말 하나로 끝나는 게 아니라 대한민국 공연예술의 새로운 창작과 유통을 만들어 가는 공공 플랫폼이 되도록 노력하겠다”고 다짐했다.

한국 재벌가로 각색한 체호프 희곡전도연·박해수 등 스타 배우 출연뉴욕 맞춤 농담에 폭소 만발·호평기립박수 이어져… 11회 전석 매진 미국 뉴욕 파크 애비뉴 아모리의 웨이드 톰슨 드릴홀에 한국어 대사가 울려 퍼졌다. 19세기 무기고로 지어진 이 거대한 홀에 간이 객석 1200석이 들어섰고, 뉴욕을 겨냥한 농담이 나올 때마다 객석에서 폭소가 터졌다. 오페라가 아닌 이상 자막을 읽을 일이 거의 없던 영미권 관객들은 한국 연극에서 자막을 따라 읽으면서도 대사의 속도감과 유머를 놓치지 않았다. 사이먼 스톤(42) 연출이 안톤 체호프(1860~1904)의 마지막 희곡을 오늘의 서울로 옮긴 ‘벚꽃동산’은 지난 16일(현지시간) 북미 초연에서 관객들을 사로잡았다. 스톤은 1904년 러시아의 몰락한 귀족 가문을 오늘의 한국 재벌가로 옮겼다. 영지를 잃는 여지주 라넵스카야는 가족 기업이 기우는 줄도 모르는 3세 송도영(전도연 분), 농노의 아들로 태어나 그 땅을 사들이는 신흥 자본가 로파힌은 운전기사의 아들로 자라 자수성가한 사업가 황두식(박해수)이 됐다. 현실 감각 없는 오빠 가예프는 골프 스윙과 LP턴테이블에만 마음을 쓰는 송재영(손상규), 수양딸 바랴는 회사 부사장으로 일하며 홀로 위기를 붙들고 있는 강현숙(최희서) 등으로 바뀌었다. 재벌가의 찬란한 과거인 벚꽃동산은 아버지가 딸에게 생일 선물로 지어준 유리집이 무대 위에 대신 앉았다. 건축 디자이너 사울 킴(32)이 디자인한 현대적인 유리집은 서울과 부산, 홍콩, 싱가포르, 호주 애들레이드에서는 하얀 배경의 무대 안에 있었지만 이번엔 달라졌다. 병기창 내부를 살린 검은 공간 안에 섬처럼 놓였다. 장소 안에 원래 있던 커다란 티파니 시계는 때때로 조명을 받으며 노을 장면에서 해가 됐다. 디스위크인뉴욕의 마크 리프킨은 19일자 비평에서 이 시계를 “송씨 일가의 시간이 다해간다는 의미”로 읽기도 했다. 원작에서 라넵스카야가 살다 온 파리를 뉴욕으로 바꾸어 뉴욕 관객들과 상당한 접점을 이뤘다. 아들을 잃고 10년을 뉴욕에서 보낸 도영이 “거기서는 섹스에 대해서 아주 솔직하게 얘기해, 거의 국민 스포츠라고나 할까”라고 말할 때 첫 폭소가 터졌다. “알코올 중독자로 살기 딱 좋은 도시”, “맨해튼에 널려있는, 입으로만 스타트업 하는” 같은 말이 나올 때도 웃음이 터졌다. 체호프의 희곡을 잘 알고 있다는 엘리나는 “가장 대중적인 희곡을 한국 현실로 각색해 이해하는 데 어렵지 않았다”면서 “자막으로 농담을 접해도 배우 연기와 상황이 접목되면서 매우 유쾌했다”고 말했다. 한국 문화에 관심이 많은 카린은 “뉴욕 조크가 정말 정확하다”고 했고, 클로이는 “공간을 쓰는 방식이 매우 역동적이라 흥미로웠다”고 평가했다. 현지 비평도 웃음을 먼저 이야기했다. 뉴욕스테이지리뷰의 멜리사 로즈 버나도는 18일자에 “이만큼 웃긴 ‘벚꽃동산’이 있었느냐”며 “웃긴 건 어떤 언어로도 웃기다”고 썼다. 씨어터마니아의 데이비드 고든은 “전도연은 몇 마디로 무모함과 신중함을 오가고, 손상규는 껴안아 주고 싶은 인물이다. 박해수는 초반의 다정함을 빠르게 벗고 사나운 권위를 드러낸다”며 연기를 호평했다. 자막에 대해서는 “누가 말하는지 표시가 없고 너무 빨리 지나가 초반 시선을 빼앗는다”(리프킨), “접근하기 쉬웠다”(버나도)고 평가가 엇갈리기도 한다. 이 작품이 가닿은 이유를 스톤은 17일 아티스트 토크에서 설명했다. 그는 “사람들은 한국을 일본과 비교하는 실수를 자주 하지만 기질을 보면 러시아와 훨씬 가깝다”면서 “러시아인들이 역사 내내 미래와 정체성을 두고 불안해했듯 한국인들도 우리는 누구인지 끊임없이 묻는다”고 진단했다. 서구에서라면 심드렁하게 들릴 혁명이라는 말이 여전히 살아 있다는 것이다. 몰락한 귀족을 재벌 3세로 옮긴 치환이 관념적 유희에 그치지 않은 이유다. 배우에 대해서도 스톤은 “비극의 계곡에 떨어졌다가 다시 웃음으로 돌아온다”면서 배우들이 희극과 비극 사이를 힘들이지 않고 오간다고 언급했다. 공연 마지막 암전이 풀리자 객석 곳곳에서 기립박수가 이어졌다. 전도연은 첫 공연 후 “기립박수를 받는 순간 너무 감격스러워 눈물이 났다”고 소감을 전했다. LG아트센터가 제작해 2024년 6월 서울에서 초연한 ‘벚꽃동산’은 뉴욕 공연으로 2년 3개월의 여정을 끝낸다. 26일까지 11회 예정된 뉴욕 공연은 전석이 매진됐다.

지난 16일(현지시간) 미국 뉴욕 파크 애비뉴 아모리의 웨이드 톰슨 드릴홀에 한국어 대사가 울려 퍼졌다. 19세기 무기고로 지어진 이 거대한 홀에 간이 객석 1200석이 들어섰고, 뉴욕을 겨냥한 농담이 나올 때마다 객석에서 폭소가 터졌다. 오페라가 아닌 이상 자막을 읽을 일이 거의 없던 영미권 관객들은 한국 연극에서 자막을 따라 읽으면서도 대사의 속도감과 유머를 놓치지 않았다. 사이먼 스톤(42) 연출이 안톤 체호프(1860~1904)의 마지막 희곡을 오늘의 서울로 옮긴 ‘벚꽃동산’은 북미 초연에서 관객들을 사로잡았다. 스톤은 1904년 러시아의 몰락한 귀족 가문을 오늘의 한국 재벌가로 옮겼다. 영지를 잃는 여지주 라넵스카야는 가족 기업이 기우는 줄도 모르는 3세 송도영(전도연 분), 농노의 아들로 태어나 그 땅을 사들이는 신흥 자본가 로파힌은 운전기사의 아들로 자라 자수성가한 사업가 황두식(박해수)이 됐다. 현실 감각 없는 오빠 가예프는 골프 스윙과 지하실에서 찾아낸 LP 턴테이블에 마음을 쓰는 송재영(손상규), 수양딸 바랴는 회사 부사장으로 일하며 홀로 위기를 붙들고 있는 강현숙(최희서), 막내딸 아냐는 뉴욕에서 영화를 공부하다 돌아온 강해나(이지혜)다. 라넵스키 가문에 돈을 빌리러 오는 몰락한 지주 피시크는 김영호(유병훈)로 옮겨 시대의 종말을 드러낸다. 극의 상징인 벚꽃동산 대신 아버지가 딸에게 생일 선물로 지어준 집이 무대에 올라섰다. 건축 디자이너 사울 킴(32)이 디자인한 2층짜리 유리집은 서울과 부산, 홍콩, 싱가포르, 호주 애들레이드에서는 하얀 배경의 무대에 놓였지만 뉴욕에선 검은 배경 앞에 섬처럼 자리했다. 보통 프로시니엄 무대는 객석과 1m 이상 높이 차이가 있지만 파크 애비뉴 아모리는 평지라, 유리집 지면과 객석 1열 바닥이 같은 높이에서 객석 앞쪽은 1층, 중간은 2층, 뒤쪽은 옥상과 눈높이가 맞는다. 관객은 집을 올려다보지 않고 깊이 들여다보는 셈이다. 스톤은 라넵스카야가 집을 떠나 생활했던 프랑스 파리를 뉴욕으로 바꿨다. 아들을 잃고 10년을 뉴욕에서 보낸 도영이 “거기서는 섹스에 대해서 아주 솔직하게 얘기해, 거의 국민 스포츠라고나 할까”라고 말할 때 객석에선 첫 폭소가 터졌다. 황두식에게 그 시절을 털어놓으며 “알코올 중독자로 살기 딱 좋은 도시”라거나 송재영에게 “나도 뉴욕에 있을 때 지하철 타고 다녔어. 거기선 다 그러고 살아. 기사 데리고 다니는 거 안 멋있잖아”라고 말할 때도 객석이 크게 웃었다. 지하철, 베이글, 하이라인처럼 뉴욕을 상징하는 단어가 등장할 때마다 관객들은 크고 작게 웃었다. 어찌 보면 비아냥 같지만 관객들과 현지 비평은 이를 현실 유머로 받아들였다. 체호프의 희곡을 잘 알고 있다는 엘리나는 “가장 대중적인 희곡을 한국 현실로 각색해 이해하는 데 어렵지 않았다”면서 “자막으로 농담을 접해도 배우 연기와 상황이 접목되면서 매우 유쾌했다”고 말했다. 한국 문화에 관심이 많은 카린은 “뉴욕 조크가 정말 정확하다”고 했고, 클로이는 “공간을 쓰는 방식이 매우 역동적이라 흥미로웠다”고 평가했다. 현지 비평도 웃음을 먼저 이야기했다. 뉴욕스테이지리뷰의 멜리사 로즈 버나도는 18일자에 “이만큼 웃긴 ‘벚꽃동산’이 있었느냐”며 “웃긴 건 어떤 언어로도 웃기다”고 썼다. 시어터마니아의 데이비드 고든은 “전도연은 몇 마디로 무모함과 신중함을 오가고, 손상규는 매우 껴안아주고 싶은 인물이다. 박해수는 초반의 다정함을 빠르게 벗고 사나운 권위를 드러낸다”며 연기를 호평했다. 다만 자막을 봐야하는 터라 웃음에는 시차가 있었다. 클로이는 “자막은 아주 선명하지만 연기와 함께 한눈에 담기 어려울 때가 있었다”고 했다. 비평도 자막에 대해서는 “누가 말하는지 표시가 없고 너무 빨리 지나가 초반 시선을 빼앗는다”(리프킨), “접근하기 쉬웠다”(버나도)고 평가가 엇갈리기도 했다. 이 작품이 가닿은 이유를 스톤은 개막 다음날인 17일 파크 애비뉴 아모리에서 열린 아티스트 토크에서 설명했다. 그는 “사람들은 한국을 일본과 비교하는 실수를 자주 하지만 기질을 보면 러시아와 훨씬 가깝다”면서 “러시아인들이 역사 내내 미래와 정체성을 두고 불안해했듯 한국인들도 ‘우리는 누구인가’를 끊임없이 묻는다”고 진단했다. 체호프가 세상을 떠난 이듬해 러시아에서 1차 혁명이 있었고, 한국에선 1980년대부터 거리에서 시위를 하며 사회 변화를 이끌어내는 점도 짚었다. 서구에서라면 심드렁하게 들릴 혁명이라는 말이 여전히 살아 있다는 것이다. 몰락한 귀족을 재벌 3세로 옮긴 치환이 관념적 유희에 그치지 않은 이유다. 배우에 대해서는 우스꽝스러워질 위험을 감수하는 과감함과 감정의 절대성을 미덕으로 꼽았다. 스톤은 “정직한 진실로 향하는 여정은 웃음으로 시작해 비극의 계곡에 떨어졌다가 다시 웃음으로 돌아온다”면서 배우들이 희극과 비극 사이를 힘들이지 않고 오간다고 평가했다. 집이 팔리고 가족이 흩어진 뒤 도영이 다시 뉴욕으로 떠나며 공연이 끝나자 객석 곳곳에서 관객들이 일어나 기립박수를 보냈다. 첫 공연 후 전도연은 “기립박수를 받는 순간 너무 감격스러워 눈물이 났다”고 소감을 전했다. 박해수는 “작품 초반에는 자막을 보느라 살짝 낯설어하던 관객들이 후반부로 갈수록 함께 깊이 공감해주는 게 느껴졌다”고 했다. LG아트센터가 제작해 2024년 6월 서울에서 초연한 ‘벚꽃동산’은 이번 뉴욕 공연으로 2년 3개월의 여정을 끝낸다. 26일까지 11회 예정된 뉴욕 공연은 전석이 매진됐다.

서울에서 하얀 박스 안에 놓인 듯했던 유리집이 미국 뉴욕에서는 섬처럼 앉았다. 연극 ‘벚꽃동산’의 무대를 설계한 무대 디자이너 사울 킴(32)은 서울과 부산, 홍콩, 싱가포르, 호주 애들레이드를 거친 이 집이 뉴욕 파크 애비뉴 아모리에서만 달라졌다고 했다. LG아트센터가 제작한 ‘벚꽃동산’ 공연을 앞둔 15일(현지시간) 뉴욕의 한 호텔에서 만난 그는 이를 “표현 방식의 차이”라고 정리했다. ‘벚꽃동산’이 오르는 아모리는 19세기 후반 뉴욕 주방위군의 무기고로 지어진 공간이다. 서울 초연 당시 ‘벚꽃동산’은 무대 위에 들어선 2층 높이의 현대적인 유리집으로 시선을 끌었는데, 이번에는 공간의 역사까지 겹쳐 전체 그림이 달라졌다. 킴은 “사이먼 스톤 연출은 역사 깊은 이 공간 자체를 노출하고 싶어 했다”면서 “서울에서 배경을 맡던 벽과 바닥이 없어진 상태로 무대를 세웠다”고 설명했다. 지붕에서 바닥으로 흘러내리던 선이 수정되면서 무대를 살짝 높이고 시각선을 맞추는 새 베이스를 설계했다. 그는 “이전에는 무대 위에 집이 있었다면 지금은 집이 작은 베이스 위에 올라가 있다”고 덧붙였다. 뒤에는 검은 막을 드리웠지만 아모리 내부가 부분적으로 보여 시간을 알 수 없는 집과 옛 산업 공간이 대비를 이룬다. 서울의 흰 벽은 조명의 색을 받아 해가 뜨고 지는 분위기를 만들었지만 검은 막은 색을 담지 못한다. 대신 집 내부의 LED가 색을 바꾼다. 그는 “한국 무대가 라이트 박스 안에서 찍은 사진 같았다면 이번에는 스포트라이트 밑에서 일어나는 무대”라고 비유했다. 극장이 아닌 훨씬 큰 볼륨의 공간에 작품이 오브제처럼 앉아 있는 모습이 마음에 든다고도 했다. 삼각 지붕의 하얀 집은 안정과 불안의 공존을 의미한다. 한쪽은 바닥과 이어져 안식처가 되지만 반대편은 지면이 끊겨 낭떠러지가 된다. 킴은 “삼각형과 부드러운 곡선이 자연과 어우러지는 공간이라면 반대편은 불안을 표현하는 낭떠러지”라고 풀이했다. 흰색은 특정 시대를 지우기 위한 선택으로, 스톤은 이를 ‘화이트 보이드’라 불렀다. 건축 디자이너로 살아온 킴에게 ‘벚꽃동산’은 첫 무대 작업이었다. 인스타그램에서 다양한 디자인을 공유하며 18만 명의 팔로워를 가진 그에게 스톤이 먼저 연락해 왔다. 연작 ‘아키텍처 아노말리’의 이미지가 스톤이 찾던 무대에 가까웠다. 스톤은 수백 개의 디자인 중 두 개를 골라 함께 무대로 풀어보자고 했다. 안톤 체호프(1860~1904)의 희곡을 잘 몰랐던 킴은 지면과 건축의 관계를 고민하고 인물과 동선을 파악하며 많은 선택지를 만들어 제시했다. “자유도를 주는 것이 목표였다”는 그의 말대로 생각지도 못한 활용이 다양하게 나왔다. 둘째 딸 해나(이지혜 분)가 송도영(전도연 분)의 휴대전화를 창고에 던지는 장면이 그 예다. 그 용도로 만든 공간이 아니었는데 스톤이 즉흥적으로 살렸다. 킴은 “공간을 많이 만들어 놓고 다양한 옵션을 주니 이렇게 창의적으로 활용하네”라는 생각에 웃음이 터졌다고 떠올렸다. 집 내부를 보여주는 데는 아크릴을 써도 되지만 스톤은 유리를 고집했다. 안팎의 경계를 제대로 표현하려면 진짜 유리여야 했고, 유리창은 안과 밖의 소리를 가르는 역할도 했다. 건축 디자이너인 킴에게 무대는 법규가 없는 세계이기도 했다. 건축에서는 안전을 위해 피난 동선의 문 크기를 절대 건드리지 않지만, 무대에서는 지붕에 난간이 없어도, 계단 높이가 제각각이어도 된다. 배우들과 약속만 되면 충분히 쓸 수 있는 부분이라 “되게 자유롭게 디자인할 수 있었다”고 킴은 전했다. 반대로 무대의 시각적 트릭 가운데 건축에 가져다 쓸 만한 것도 보였다. 그는 “건축가로서 전면이 유리인 삼각 지붕의 집을 보면 ‘배수관은 어디 있지’, ‘물은 어디로 가야 하지’라는 생각을 먼저 하게 된다”며 웃더니 “건축에서는 방수와 단열이 굉장히 중요하고 이런 게 잘 돼야 좋은 설계라고 할 수 있는데, 무대는 그런 한계가 없는 자유로움이 좋았다”고 했다. 앞을 보여주고 뒤를 숨기는 고민, 지붕이 갖는 시각성, 다락방의 활용 등에서도 많은 것을 새롭게 받아들였다. 가장 크게 배운 것은 빛이다. “건축에는 햇빛만 있는데 무대에서는 빛을 조작할 수 있다는 게 재미있었어요.” 뉴욕 공연이 끝나면 이 집은 해체된다. 킴은 “도면과 아이디어는 영원하기 때문에 아쉽지 않다”면서 “건축은 지어놓고도 사람들이 쓰는 모습을 보지 못하는데 무대에서는 배우들이 공간을 창의적으로 쓰는 것을 지켜볼 수 있어 더 뿌듯하다”고 말했다. 회전무대를 하지 못한 것은 아쉬워했다. ‘벚꽃동산’은 그의 자리를 바꿨다. 제품과 가구, 전시로 영역이 넓어졌고 그는 이제 스스로를 건축가 대신 디자이너라 부른다. 모든 의뢰는 인스타그램에서 온다. 좋게 말하면 글로벌이지만 나쁘게 말하면 로컬 시장이 없다는 자각도 있다. 인도네시아 발리의 주택과 네덜란드 소도시 고스에 세울 전망대 디자인이 진행 중이다. 한 번의 강렬한 무대 경험은 그에게 공연에 대한 관심과 영화 세트에 대한 호기심을 일으켰다. 궁극의 목표는 자동차다. 정상급 디자이너만 닿을 수 있는 영역이라고 그는 생각한다. 킴은 “그 레벨에 도달해 무엇이든 디자인할 수 있는 사람이 되고 싶다”면서 “이미지들을 보고 무대가 될 수 있다고 믿어준 스톤 연출에게 감사하다”고 밝혔다. 스톤의 ‘벚꽃동산’은 원작의 몰락한 러시아 귀족을 한국 현대사회의 재벌 3세로 치환했다. 여성 영주 라넵스카야(류바)는 송도영으로, 농노 출신 신흥 자본가 로파힌은 재벌가 운전기사의 아들로 태어나 자수성가한 황두식(박해수 분)으로 바뀌었다. 아들의 죽음 이후 미국 뉴욕으로 떠났다가 한국에 돌아온 송도영은 가족 기업이 기울고 집이 사라질 위기를 맞닥뜨린다. 2024년 서울에서 초연한 뒤 부산, 홍콩, 싱가포르, 호주 애들레이드를 거쳐 뉴욕 파크 애비뉴 아모리에서 9월 16일 개막해 26일까지 이어진다.

조선시대 왕세자의 학문과 수양 공간이었던 창덕궁 성정각이 전시·연극·체험 공간으로 탈바꿈한다. 그동안 내부 관람이 제한됐던 누각 ‘희우루’도 처음으로 일반에 공개된다. 국가유산청 궁능유적본부와 국가유산진흥원은 오는 22일부터 11월 8일까지 서울 종로구 창덕궁 성정각과 관물헌 일원에서 ‘성정각, 왕세자의 하루―매일 한 걸음, 왕이 되는 길’을 개최한다고 10일 밝혔다. ‘성심껏 마음을 바르게 한다’는 뜻의 성정각은 왕세자가 공부하던 곳이자 이후 여러 왕의 독서 공간으로도 쓰였다. 성정각 뒤편에는 동궁 권역 건물인 관물헌이 자리한다. 이번 행사는 1827년부터 약 3년간 대리청정을 맡다 요절한 효명세자(1809~1830)의 기록과 행적을 바탕으로 한다. 그가 왕으로 성장하기 위해 쌓은 배움과 수양의 과정을 체험형 역사문화 프로그램으로 구성했다. 이번에 처음 공개되는 희우루는 성정각 동쪽에 있는 왕세자의 독서와 사색 공간이다. 관람객은 누각에 올라 창덕궁 경관을 조망하며 왕세자의 생활과 배움이 이뤄진 공간을 직접 느낄 수 있다. 희우루는 국가유산 보호와 안전 관리를 위해 화요일부터 토요일까지 현장 접수로 운영한다. 오전 10시 30분부터 오후 4시 30분까지 15분 단위로 하루 24회 운영하며 회당 최대 8명까지 관람할 수 있다. 관물헌에선 왕세자가 익힌 육예 가운데 활쏘기·글쓰기·셈하기를 현대적으로 재구성한 ‘왕세자의 배움’ 체험을 운영한다. 가상현실(VR) 활쏘기, 산가지 놀이, ‘논어’와 ‘대학’ 문장을 활용한 책갈피 만들기 등을 즐길 수 있다.

조선시대 왕세자의 학문과 수양 공간이었던 창덕궁 성정각이 전시·연극·체험 공간으로 탈바꿈한다. 그동안 내부 관람이 제한됐던 누각 ‘희우루’도 처음으로 일반에 공개된다. 국가유산청 궁능유적본부와 국가유산진흥원은 오는 22일부터 11월 8일까지 서울 종로구 창덕궁 성정각과 관물헌 일원에서 ‘성정각, 왕세자의 하루―매일 한 걸음, 왕이 되는 길’을 개최한다고 10일 밝혔다. ‘성심껏 마음을 바르게 한다’는 뜻의 성정각은 왕세자가 공부하던 곳이자 이후 여러 왕의 독서 공간으로도 쓰였다. 성정각 뒤편에는 동궁 권역 건물인 관물헌이 자리한다. 이번 행사는 1827년부터 약 3년간 대리청정을 맡다 요절한 효명세자(1809~1830)의 기록과 행적을 바탕으로 한다. 그가 왕으로 성장하기 위해 쌓은 배움과 수양의 과정을 체험형 역사문화 프로그램으로 구성했다. 이번에 처음 공개되는 희우루는 성정각 동쪽에 있는 왕세자의 독서와 사색 공간이다. 관람객은 누각에 올라 창덕궁 경관을 조망하며 왕세자의 생활과 배움이 이뤄진 공간을 직접 느낄 수 있다. 희우루는 국가유산 보호와 안전 관리를 위해 화요일부터 토요일까지 현장 접수로 운영한다. 오전 10시 30분부터 오후 4시 30분까지 15분 단위로 하루 24회 운영하며, 회당 최대 8명까지 관람할 수 있다. 관물헌에서는 왕세자가 익힌 육예 가운데 활쏘기·글쓰기·셈하기를 현대적으로 재구성한 ‘왕세자의 배움’ 체험을 운영한다. 가상현실(VR) 활쏘기, 산가지 놀이, ‘논어’와 ‘대학’ 문장을 활용한 책갈피 만들기 등을 즐길 수 있다.

폐유치원, 전통놀이 시설로 재탄생7월 466명 이어 8월엔 695명 방문유 구청장 “문화공간 확충에 노력” “문을 닫았던 어린이집을 키즈카페로 새롭게 설계했습니다.” 유찬종 서울 종로구청장은 지난 2일 개관한 서울형 키즈카페 숭인1동점 ‘소담누리 놀이터’에서 이렇게 말했다. 코로나19와 아동 수 감소로 2024년 문을 닫은 옛 청룡유치원이 전통놀이를 즐길 수 있는 공간으로 재탄생한 것이다. 7월부터 시범 운영을 거쳐 지난 2일 정식 개관했다. 유 구청장은 키즈카페를 둘러보며 시설물 높이와 놀이기구를 꼼꼼하게 확인했다. 지난해 8월부터 올해 6월까지 설계와 리모델링을 거쳐 어둡던 외벽을 밝은 색깔로 새롭게 단장했고 내부에 간이스프링클러를 설치했다. 모서리마다 아이들이 다치지 않도록 충격 흡수용 보호대도 있었다. 아이들은 1층의 사방치기 놀이 매트, 그물망 위에서 뛰어놀거나 인터랙티브 월(큰 터치스크린이나 프로젝션 등을 활용해, 사용자의 터치·움직임에 콘텐츠가 반응하도록 만든 ‘상호작용형 벽면 디스플레이’)에 표시된 캐릭터를 누르며 연신 웃음을 터뜨렸다. 맞은편 청룡사와 숭인동 일대가 내려다보이는 2층은 옛 동네 마당을 떠올리게 했다. 넓은 공간에 대형 윷놀이 등 놀이기구와 전통 탈, 한복이 놓여 있었다. 보호자와 아이가 함께 이용할 수 있는 가족 화장실이나 수유실도 있다. 0~9세까지 이용할 수 있고, 당분간 입장료 없이 운영된다. 구는 2000원 안팎의 입장료를 검토하고 있다. 시범 운영 때부터 이용객이 꾸준히 늘었다. 7월 466명이 찾은 데 이어 지난달 695명이 방문했다. 유 구청장은 “앞으로 3층과 지하는 부모님들이 차를 마시며 기다릴 수 있도록 추진하겠다”며 “가족들이 종로에서 여가 활동을 할 수 있도록 돌봄 서비스와 키즈카페를 대폭 확대하겠다”고 밝혔다. 키즈카페를 위탁 운영하는 청룡사 관계자는 유 구청장에게 “(내년) 여름엔 물놀이 공간도 마련하려고 한다”고 전했다. 종로구는 첫 서울형 키즈카페인 ‘혜명 아이들 상상놀이터’도 2022년부터 운영 중이다. 아이들은 시즌마다 달라지는 오브제(사물) 놀이기구로 상상력을 키우고, 놀이터에서 마음껏 몸을 움직일 수 있다. 연령별 연극 놀이나 예술가와의 만남 등 차별화된 프로그램도 눈에 띈다. 지난해에만 아동과 보호자 1만 2613명이 이용할 만큼 인기를 끌었다. 유 구청장은 “앞으로도 아이들이 일상에서 다양한 놀이와 문화를 누릴 수 있도록 놀이 공간을 확충해 나가겠다”고 말했다.